Keyzer Soze's Place

Agenda Cinematográfica

2012-01-30T14:25:00.001-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

JOANA VASCONCELOS — CORAÇÃO INDEPENDENTE (2008), de Joana Cunha Ferreira

Joana Vasconcelos é uma das mais reconhecidas e mediáticas artistas portuguesa da sua geração. Com um percurso nacional e internacional impressionante para a sua idade, as suas obras são frequentemente apontadas pela sua dimensão kitsch e espalhafatosa. Mas são também um reflexo mordaz de uma parte deste mundo.

O filme olha de perto para o processo de trabalho da artista e da sua equipa, que vemos em acção no seu atelier, mas é principalmente um retrato de Joana Vasconcelos, da sua força, vontade e dedicação ao trabalho.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Críticas da Semana

2012-01-29T21:30:00.000-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. ZEITGEIST: MOVING FORWARD
. O ARTISTA
. MILLENNIUM 1 — OS HOMENS QUE ODEIAM AS MULHERES

--//--

. ZEITGEIST: MOVING FORWARD (2011), de Peter Joseph

Criando um modelo de compreensão do actual paradigma social e do motivo pelo qual é fundamental sair do mesmo — juntamente com uma nova abordagem social, que apesar de radical, é ainda assim, prática —, procura-se encontrar uma resolução dos actuais problemas sociais que afligem o mundo.

Se tiverem duas horas e quarenta minutos da vossa vida para dispensar a este documentário, serão capazes de entender que esse tempo não só passará num ápice, como também proporcionará uma experiência elucidativa acerca das causas que forjaram o espectro da crise financeira mundial que todos os dias nos entra pela casa, culminando numa enumeração de "soluções" mais utópicas do que propriamente reformadoras.

Sem a visceralidade de Michael Moore nem a ironia de Errol Morris, ZEITGEIST: MOVING FORWARD aposta numa irreverência quase juvenil para atacar os "vícios" do sistema, recorrendo a diferentes estilos de animação para esquematizar a informação e valores transmitidos e — na que será a principal novidade deste género de documentário — uma abordagem a vicissitudes biológicas e antropológicas explicativas do actual estado da Humanidade. Não estamos perante algo que ficará rotulado como revolucionário, mas a sua qualidade de eye-opening converte-o em algo de visualização urgente.

. O ARTISTA (2011), de Michel Hazanavicius

Hollywood, 1927. George Valentin (Jean Dujardin) é uma das maiores estrelas do cinema mudo. Certo dia, conhece Peppy Miller (Bérénice Bejo), uma jovem e ambiciosa figurante, por quem fica fascinado. Mas a chegada dos filmes sonoros marca o fim da carreira de George, e torna Peppy na nova grande estrela da indústria.

Como é possível gostar-se de um pastiche? Até que ponto pode o artificialismo do Cinema se tornar no seu principal inimigo? E qual o propósito da integração do «Love Theme» de A MULHER QUE VIVEU DUAS VEZES (obra sonora e a cores) no acompanhamento musical de um filme mudo e a preto e branco? Estas e outras questões ressalvam a constatação de que O ARTISTA é uma homenagem intrincada ao cinema mudo americano, que almeja ignorar tudo o que de fascinante e memorável existia naquela era, focando-se numa miscelânea de cultura geral cinematográfica e melodrama previsível convenientemente reunidos para o converter num produto de imediato apelo popular e (como se verificou, esta semana, pelo anúncio das suas dez nomeações) muito oscarizável.

Ironia das ironias, e não obstante a sua "tríade" de inegáveis qualidades — a interpretação e charme de Jean Dujardin, que emula o poder de sedução de Rudolph Valentino com o percurso biográfico de John Gilbert; a competente realização de Hazanavicius; e o expressivo companheiro canino do protagonista —, faz-nos constatar que o encanto inerente ao filme mudo residia, precisamente, naquele seu "défice tecnológico". E não há apostas vanguardistas baseadas em métodos obsoletos capazes de anular o sentimento de embuste que se detecta no cerne de O ARTISTA. Para verificar homenagens contemporâneas, e mais bem conseguidas, ao Cinema dos anos 20, continuo a preferir Guy Maddin. O qual também assina, de vez em quando, uma ou outra comédia musical...

. MILLENNIUM 1 — OS HOMENS QUE ODEIAM AS MULHERES (2011), de David Fincher

Mikael Blomkvist (Daniel Craig), jornalista recentemente caído em desgraça mediática, aceita o trabalho de desvendar o desaparecimento da sobrinha de Henrik Vanger (Christopher Plummer), o patriarca de uma poderosa família empresarial sueca. Com a ajuda de Lisbeth Salander (Rooney Mara), hacker de alto nível com problemas de comportamento social, irão desvendar muitos segredos da família de Henrik, até então escondidos na penumbra.

A minha admitida desconfiança relativamente a remakes não é segredo para quem acompanha este espaço com regularidade. E enquanto admirador da primeira transposição ao Cinema dos livros de Stieg Larsson, a exigência em torno desta abordagem norte-americana à história era redobrada... e não saiu defraudada. Retomando temas e ambiências que preenchem a sua filmografia (crime e castigo, o sereno e o furioso, a amizade e a hostilidade) e demarcando-o de qualquer comparação com o filme sueco através da sua reconhecível mise-en-scène, Fincher forja um produto inteiramente seu e, a espaços, mais próximo que a referida primeira adaptação das intenções da fonte literária — a qual é excelente, logo não havia como falhar.

Posto isto, é necessário e inevitável reservar a nossa atenção para a encarnação de Rooney Mara em Lisbeth Salander, uma das mais complexas personagens de ficção femininas do nosso tempo. Numa visível entrega de corpo e alma pela jovem actriz ao desafio colocado, faz-nos esquecer a (quase icónica) prestação de Noomi Rapace, através de certeiras nuances do argumento que potenciam a androginia psicológica e antecipam, na sua caracterização, o passado conturbado de Lisbeth. O mundo ganha dois óptimos "descendentes cinematográficos" de uma saga literária de sucesso mas, tal como sucedia na adaptação europeia, ainda não foi desta que se transpôs para o grande ecrã as ansiedades sócio-políticas que selaram os últimos dias de Stieg Larsson — a primazia continua a ser dada ao thriller, mas um pouco mais de ambição não seria, por estes lados, mal recebida.

Hollywood Buzz #154

2012-01-27T12:10:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre THE GREY, de Joe Carnahan:

«Sit through the entire credits. There's one more shot still to come. Not that you wouldn't be content without it.»
Roger Ebert, Chicago Sun-Times.

«The picture's dialogue-heavy stretches and ambiguous finale could leave ticketbuyers impatient for less chatter and more chomping.»
Joe Leydon, Variety.

«It's a fine, tough little movie, technically assured and brutally efficient, with a simple story that ventures into some profound existential territory without making a big fuss about it.»
A.O. Scott, The New York Times.

«THE GREY, a man's-man of a genre picture that will satisfy the action audience while reminding more discerning viewers what they saw in director Joe Carnahan's decade-old breakthrough, "Narc."»
John DeFore, The Hollywood Reporter.

«You see the pattern here? Winter-release slot + travel budget + Liam Neeson = slightly preposterous, routinely violent, apparently lucrative action movie in which the Irish-born star signals inner emotional conflict with his handsomely mashed boxer's face while settling outer physical conflict with his boxer's fists.»
Lisa Schwarzbaum, Entertainment Weekly.

Theo Angelopoulos (1935 — 2012)

2012-01-25T11:15:00.001-01:00

"In dealing with borders, boundaries, the mixing of languages and cultures today, I am trying to seek a new humanism, a new way."

Autor contemplativo e, amiúde, de cariz político, destacam-se na obra do principal representante do cinema helénico filmes como THE TRAVELLING PLAYERS (1975), VOYAGE TO CYTHERA (1984), O PASSO SUSPENSO DA CEGONHA (1991) e A ETERNIDADE E UM DIA (1995).

Faleceu ontem, em Atenas, vítima de acidente de viação.

Óscares 2011: as nomeações

2012-01-24T17:00:00.002-01:00

Foram anunciados hoje, através de Tom Sherak, presidente da Academia, e Jennifer Lawrence, nomeada ao Oscar de Melhor Actriz Principal, no ano passado, por DESPOJOS DE INVERNO, os nomeados para a 84ª Cerimónia dos Óscares.

A INVENÇÃO DE HUGO, de Martin Scorsese, e O ARTISTA, de Michel Hazanavicius (com onze e dez nomeações, respectivamente), assumem a corrida ao Óscar de Melhor Filme.

Não havendo grandes surpresas nos filmes indicados (embora a indicação de A ÁRVORE DA VIDA, de Terrence Malick e considerado pelo Keyzer Soze como o melhor filme do ano transacto, tenha causado alguma sensação), o maior frisson ocorreu nas categorias de representação.

Nomes como Michael Fassbender (SHAME), Tilda Swinton (WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN), Elizabeth Olsen (MARTHA MARCY MAY MARLENE), Leonardo DiCaprio (J. EDGAR), Albert Brooks (DRIVE — RISCO DUPLO e Shailene Woodley (OS DESCENDENTES), presenças constantes nas atribuições de prémios da crítica especializada, foram sonegados pela Academia face às nomeações de Demián Bichir (A BETTER LIFE), Gary Oldman (A TOUPEIRA) e Max von Sydow (EXTREMAMENTE ALTO, INCRIVELMENTE PERTO).

Já para não falar de que AS AVENTURAS DE TINTIN — O SEGREDO DO LICORNE, de Steven Spielberg, não está incluído nos nomeados a Melhor Filme de Animação...

Assim, os nomeados nas categorias principais são:
(Títulos em Português indicam filmes estreados ou com data de estreia anunciada no nosso país)

MELHOR FILME

. O ARTISTA

. OS DESCENDENTES

. EXTREMAMENTE ALTO, INCRIVELMENTE PERTO

. AS SERVIÇAIS

. HUGO

. MEIA-NOITE EM PARIS

. MONEYBALL — JOGADA DE RISCO

. A ÁRVORE DA VIDA

. CAVALO DE GUERRA

MELHOR REALIZADOR

. Michel Hazanavicius, por O ARTISTA

. Alexander Payne, por OS DESCENDENTES

. Martin Scorsese, por A INVENÇÃO DE HUGO

. Woody Allen, por MEIA-NOITE EM PARIS

. Terrence Malick, por A ÁRVORE DA VIDA

MELHOR ACTOR PRINCIPAL

. Demián Bichir, por A BETTER LIFE

. George Clooney, por OS DESCENDENTES

. Jean Dujardin, por O ARTISTA

. Gary Oldman, por A TOUPEIRA

. Brad Pitt, por MONEYBALL — JOGADA DE RISCO

MELHOR ACTRIZ PRINCIPAL

. Glenn Close, por ALBERT NOBBS

. Viola Davis, por AS SERVIÇAIS

. Rooney Mara, por MILLENNIUM 1 — OS HOMENS QUE ODEIAM AS MULHERES

. Meryl Streep, por A DAMA DE FERRO

. Michelle Williams, por A MINHA SEMANA COM MARILYN

MELHOR ACTOR SECUNDÁRIO

. Kenneth Branagh, por A MINHA SEMANA COM MARILYN

. Jonah Hill, por MONEYBALL — JOGADA DE RISCO

. Nick Nolte, por WARRIOR — COMBATE ENTRE IRMÃOS

. Christopher Plummer, por ASSIM É O AMOR

. Max von Sydow, por EXTREMAMENTE ALTO, INCRIVELMENTE PERTO

MELHOR ACTRIZ SECUNDÁRIA

. Bérénice Bejo, por O ARTISTA

. Jessica Chastain, por AS SERVIÇAIS

. Melissa McCarthy, por A MELHOR DESPEDIDA DE SOLTEIRA

. Janet McTeer, por ALBERT NOBBS

. Octavia Spencer, por AS SERVIÇAIS

MELHOR FILME ESTRANGEIRO

. RUNDSKOP (Bélgica)

. FOOTNOTE (Israel)

. IN DARKNESS (Polónia)

. MONSIEUR LAZHAR (Canadá)

. UMA SEPARAÇÃO (Irão)

MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO

. A CAT IN PARIS

. CHICO & RITA

. O PANDA DO KUNG FU 2

. O GATO DAS BOTAS

. RANGO

A entrega dos Óscares está marcada para 26 de Fevereiro, em cerimónia apresentada por Billy Crystal.

A lista completa das nomeações pode ser consultada aqui.

Agenda Cinematográfica

2012-01-23T11:50:00.000-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

ZEITGEIST: MOVING FORWARD (2011), de Peter Joseph

Os três temas centrais deste trabalho são Comportamento Humano, Economia Monetária e Ciências Aplicadas. Resumidamente, este trabalho cria um modelo de compreensão do actual paradigma social e do motivo pelo qual é fundamental sair do mesmo — juntamente com uma nova abordagem social, que apesar de radical, é ainda assim, prática. Abordagem esta que é baseada em conhecimento avançado e resolveria os actuais problemas sociais que afligem o mundo.

Uma das características únicas deste trabalho, que o distingue em termos de estilo da maioria dos documentários, é que tem uma temática dramática/cinematográfica paralela, com actores notáveis, que interpretam várias emoções e gestos relacionados com a mensagem geral do filme, ainda que de forma abstracta. Adicionalmente, este trabalho emprega vigorosamente inúmeros resumos visuais e animações 2D e 3D, mantendo como referência a orientação do documentário tradicional.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar. Entrada livre.

Críticas da Semana

2012-01-22T17:35:00.000-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. ONCE UPON A TIME IN ANATOLIA
. KILL LIST
. A TOUPEIRA
. MORRER COMO UM HOMEM

--//--

. ONCE UPON A TIME IN ANATOLIA (2011), de Nuri Bilge Ceylan

Um grupo de polícias, oficiais públicos e militares são conduzidos através do deserto negro turco por um homem acusado de homicídio, em busca do cadáver da vítima. Enquanto a noite decorre, todos terão de confrontar os seus fantasmas pessoais.

Vencedor do Grande Prémio do Júri no último Festival de Cannes, ANATOLIA é um policial impressionista — destaque imediato para a sua fabulosa fotografia nocturna — que nos confronta com uma investigação policial que mais não é do que um "pretexto" (poder-se-à chamar-lhe de red herring?) para a análise dos dramas pessoais de cada interveniente.

Se o existencialismo do argumento e o ritmo vagaroso do filme constituem-se como enormes testes à "paciência" do espectador, a câmara de Bilge Ceylan (interrogativa e abstracta, algo inovador para o realizador de OS TRÊS MACACOS) trata de o capturar através da exibição da natureza, simultaneamente irreal e mundana, em que o filme se contextualiza e na subtil "explicação" das personagens de ANATOLIA — que, na sua conclusão, substitui o cariz mítico da morte pelas suas consequências físicas e sociais, deixando-nos com a tarefa de definir onde reside a "eternidade" destes indivíduos. Obrigatório, sendo quase um escândalo não estar pré-seleccionado para o Óscar de Melhor Filme Estrangeiro.

. KILL LIST (2011), de Ben Wheatley

Um ano depois de uma missão falhada em Kiev, um assassino profissional (Neil Maskell) aceita uma oferta monetária generosa para assassinar três alvos. Mas o que, a princípio, se afigura como tarefa fácil, cedo resvala numa viagem pelo lado mais negro da Humanidade.

Bem-vindos ao neo-noir de horror britânico, onde a crítica às "enfermidades" das sociedades contemporâneas é personificada por dois assassinos profissionais com passado obscuro, encarregues de abaterem alvos simplesmente identificados como Padre, Bibliotecário e Membro do Parlamento — indubitavelmente, três metáforas aos principais poderes institucionais — e que enfrentam, no visceral terceiro acto, forças reminiscentes de THE WICKER MAN (1973, Robin Hardy).

Como é simples de depreender, não estamos perante um filme de terror no sentido convencional do termo: a estrutura narrativa elíptica, a sua aparente incoerência e um argumento que, teimosamente, não providencia respostas, fazem com que o irascível e surpreendente clímax de KILL LIST potencie a sua "candidatura" a filme de culto. Sem moralidades políticas nem pendões estéticos claramente reconhecíveis, Ben Wheatley concebe uma obra que tanto pode ser o perfeito midnight movie para Halloweens vindouros como (perigoso?) objecto de análise junto das falanges de apoio ao Movimento Occupy Wall Street. E, como diria um colega meu da blogosfera, é brain-movie por excelência.

. A TOUPEIRA (2011), de Tomas Alfredson

Durante a Guerra Fria, o agente secreto George Smiley (Gary Oldman) é obrigado a sair da reforma para investigar a possibilidade de haver um agente soviético — ou uma "toupeira" — infiltrado no topo da hierarquia dos serviços secretos britânicos.

Baseado no romance de John le Carré, A TOUPEIRA poderá distanciar o espectador pouco interessado/familiarizado em "intrigas internacionais" da Guerra Fria, mas conquista-o através da irrepreensível atmosfera de medo, paranóia e traição aqui formada. E no seio da sua fotografia dominada por um constante sépia invernal, pelas acções vislumbradas através de superfícies vidradas e por interiores impregnados de fumo, destaca-se Gary Oldman — motivo suficiente para atribuir ao filme as quatro estrelas — que constrói um minimalista e assombroso Smiley, cujos silêncios revelam-se tão significativos quanto as suas palavras.

As adaptações ao grande ecrã de romances de espionagem nunca foram fáceis nem livres de defeitos — por exemplo, sou um dos que prefere O ESPIÃO QUE VEIO DO FRIO (1965, Martin Ritt) ou CAÇA AO OUTUBRO VERMELHO (1990, John McTierman) enquanto objectos exclusivamente cinematográficos —, e A TOUPEIRA não alterará esse paradigma. Contudo, pela direcção firme de Alfredson, a mestria de Carré não só é revitalizada como apresentada a toda uma nova audiência. Recomendado.

. MORRER COMO UM HOMEM (2009), de João Pedro Rodrigues

Tonia (Fernando Santos), uma veterana do espectáculo de travesti lisboeta, vê desabar o mundo à sua volta: o seu estrelato é ameaçado pela concorrência das artistas mais novas, submete-se a uma operação de mudança de sexo por pressão do seu jovem namorado, e o o filho que ela tinha abandonado em criança, agora um soldado desertor, vem à sua procura.

A ambiguidade sexual e o surrealismo do quotidiano sempre fizeram parte da obra de João Pedro Rodrigues, algo plenamente vísivel em O FANTASMA (2000) e ODETE (2005). Esses elementos estão, aqui, bem presentes, mas acompanhados de um pretensiosismo a abismar o banal que desconhecíamos no cineasta.

O percurso de Tonia (fabuloso Fernando Santos, numa multifacetada e exaustiva interpretação) talvez merecesse uma abordagem que não investisse tanto em sequências psicadélicas ao som de Baby Dee ou em insondáveis citações de Paul Celan, e que capitalizasse mais nas motivações e envolvimentos dramáticos do protagonista. Algo que a última meia hora de filme almeja conceber, não deixando dúvidas que MORRER COMO UM HOMEM teria funcionado substancialmente melhor como drama humano puro. Mesmo que arriscasse atingir níveis consideráveis de cinema depressivo, não nos importaríamos de ver esse hipotético resultado final mais satisfatório.

5 Momentos Memoráveis

2012-01-21T13:00:00.000-01:00

#15: No Subtitles Required

O ARTISTA (estreia prevista, em Portugal, para 2 de Fevereiro), de Michel Hazanavicius, é um dos títulos do momento: para além de assumir largo favoritismo na corrida ao Óscar de Melhor Filme, comprova que crítica e plateias contemporâneas ainda são capazes de se renderem a uma história sobre a era do cinema mudo filmada ao estilo daquela mesma época: silencioso (apenas possui acompanhamento musical), a preto e branco e registado no aspect ratio dos anos 20.

Embora a produção cinematográfica nas últimas oito décadas tenha sido dominada pelo sonoro, é possível encontrar, nesse espaço de tempo, inúmeros e óptimos exemplos do quão dispensável os diálogos podem ser num filme. Os cinco momentos abaixo destacados (acompanhados da sempre obrigatória menção honrosa) revelam e partilham com o espectador factos e emoções sem recorrerem a qualquer oratória — e provam que o Cinema foi, é e será, primordialmente, uma arte visual.

MENÇÃO HONROSA: DUCK SOUP — OS GRANDES ALDRABÕES (1933), de Leo McCarey

Leo McCarey foi um dos poucos cineastas que soube trabalhar e elevar o talento cómico dos Irmãos Marx. E esta sequência, onde Harpo tenta esconder a sua identidade de Groucho imitando o reflexo deste num espelho, será das mais pragmáticas para a compreensão daquela colaboração. Em jeito de curiosidade, note-se que Harpo Marx recriou este número, anos mais tarde e com Lucille Ball, na série televisiva I LOVE LUCY.

5. 2001: ODISSEIA NO ESPAÇO (1968), de Stanley Kubrick

Célebre pela sua frugalidade de diálogos, a ficção-científica de Stanley Kubrick utiliza música, efeitos sonoros, imagética experimental e um fabuloso trabalho de montagem para unir as "pontas" de uma história sobre tecnologia, inteligência artificial e evolução humana. E, nesse âmbito, não haverá cena mais emblemática do que esta: a condensação de milhões de anos no espaço de um simples piscar de olhos...

4. THE PARTY (1968), de Blake Edwards

Peter Sellers tem lugar cativo no "panteão" que reúne o génio pantomímico de Charles Chaplin, Buster Keaton, Stan Laurel e Oliver Hardy. O melhor exemplo disso será esta sequência, de uma peculiar colaboração entre Sellers e Blake Edwards, onde um actor de origem indiana é capaz de transportar o "problema técnico" de um autoclismo até proporções inimagináveis. E sem murmurar uma única palavra...

3. DU RIFIFI CHEZ LES HOMMES (1955), de Jules Dassin

Neste clássico do cinema noir francês, Dassin dedica um quarto da sua duração a uma das sequências de assalto, do ponto de vista técnico, mais ambiciosas e brilhantes da história do Cinema — e fá-lo em quase absoluto silêncio. Pela ausência de elementos familiares como diálogo e/ou música, o suspense no espectador não só é intensificado como atinge níveis eficazes de desconforto. Brian DePalma, o "imitador" por excelência, homenagearia, quarenta anos depois, esta sequência em MISSÃO: IMPOSSÍVEL.

2. A MULHER QUE VIVEU DUAS VEZES (1958), de Alfred Hitchcock

No seu âmago, esta obra-prima de Hitchcock é uma história de obsessão, patente na face do detective Scottie (James Stewart) assim que observa, pela primeira vez, Madeleine (Kim Novak). O estilo visual desta sequência — pelos seus esquema cromático, movimentos de câmara e rigorosos enquadramentos, revela-se um prodígio de fotografia — antevê a "vertigem passional" do protagonista pela mulher de que ele está encarregue de seguir e vigiar pelas ruas de São Francisco. Puro cinema em minuto e meio de metragem.

1. BLOW-UP — HISTÓRIA DE UM FOTÓGRAFO (1966), de Michelangelo Antonioni

Ousada peça de cinema: uma sequência composta por nada mais do que um fotógrafo a ampliar secções de fotografias já de si ampliadas e a posterior descoberta de que a sua câmara registou mais do que um simples encontro amoroso, apenas ilustrada pela audição do vento a "suspirar" entre a folhagem do jardim em que as imagens foram tiradas. Embora o espectador seja guiado para o que deve encontrar, Antonioni exibe aqui (juntamente com a cena final de BLOW-UP) um dos momentos seminais no que toca ao poder da narração exclusivamente visual do Cinema.

Hollywood Buzz #153

2012-01-20T00:45:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre CORIOLANUS, de Ralph Fiennes:

«Ralph Fiennes directs and stars in CORIOLANUS as William Shakespeare's Rambo in a production that delivers heavyweight screen acting at its best.»
Ray Bennett, The Hollywood Reporter.

«Then too there's the sheer pleasure of hearing these words spoken by an actor like Mr. Fiennes, whose phrasing is so brilliant, you might be tempted to close your eyes if his physical performance weren't equally mesmerizing.»
Manohla Dargis, The New York Times.

«With its warring factions, citizen uprisings, guerrilla insurgencies, political intrigue, bloody warfare, family tensions, and homoerotic subtext, CORIOLANUS is one of the year's best political thrillers.»
Lisa Schwarzbaum, Entertainment Weekly.

«Fiennes' crackerjack CORIOLANUS stays true to the clever, almost mean-spirited twists and turns of the story, and preserves the authentic flavor and texture of the language.»
Andrew O'Hehir, Salon.com.

«CORIOLANUS has the earmarks of a passion project, to be certain, but it also has the hallmarks of an assured film from an actor who nonetheless clearly demonstrates he knows that it takes more than just the art of acting to create a work of cinematic art.»
James Rocchi, IndieWIRE.

Filhos de Um Deus Maior #70

2012-01-19T11:40:00.000-01:00

Aparentemente, um utilizador da Vodafone não requererá a sapiência Jedi de Yoda para a actualização de dados do seu equipamento.

Eis a "prova":

O Yoda gosta de sushi? Nunca imaginaria...

[Fonte: ComicBookMovie]

Sobre os Globos de Ouro...

2012-01-16T17:25:00.001-01:00

... pouco tenho a referir.

Sobretudo, porque não me posso pronunciar acerca da justiça das vitórias de THE DESCENDANTS para Melhor Filme Drama e Melhor Actor Drama (George Clooney) e de THE ARTIST para Melhor Filme Comédia ou Musical e Melhor Actor Comédia ou Musical (Jean Dujardin), visto serem dois títulos cuja visualização teima em escapar-me.

Para além de partilhar convosco a lista completa dos vencedores, de constatar que, aparentemente, ando a perder excelentes propostas televisivas (com DOWNTON ABBEY, HOMELAND e ENLIGHTENED em destaque) e de confirmar que Kate Winslet é humanamente incapaz de não ser estonteante numa passadeira vermelha...

... apenas tenho uma questão: como é que, no espaço de um ano, o anfitrião Ricky Gervais passou disto...

... para um desempenho em que só a breve presença de Johnny Depp, no final, poderia salvar?

[Crédito de imagens: IFC, ABC, e National Confidential.]

Agenda Cinematográfica

2012-01-16T14:15:00.001-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

O ANJO EXTERMINADOR (1962), de Luis Buñuel

Depois de um jantar de cerimónia, um grupo de respeitáveis burgueses fica retido em casa de um deles. Por uma razão qualquer, só os criados conseguem atravessar a porta da sala de jantar.

Depressa se resignam ao enclausuramento e, pouco a pouco, vão-se submetendo a uma promiscuidade completamente estranha aos seus hábitos. O ambiente deteriora-se e a selvajaria aparece.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar. Entrada livre.

Globos de Ouro 2012 — Previsões

2012-01-15T19:05:00.004-01:00

Já faltam poucas horas para descobrirmos quais serão os eleitos, pela Hollywood Foreign Press Association, como vencedores da 69ª edição dos Globos de Ouro.

Num ano em que parece não existir vencedor(es) anunciado(s) para formular apostas seguras — e, para piorar, o Keyzer Soze ainda não teve a oportunidade de ver muitos dos nomeados —, afigura-se, portanto, tarefa melindrosa esboçar os prognósticos abaixo descritos, relativos às nomeações nas principais categorias de Cinema, para esta noite. Como "inspiração", tive apenas os veredictos das diversas associações de crítica norte-americanas.

Amanhã, confirmaremos o quão perto ou distante da realidade estou.
(títulos em Português indicam filmes já estreados ou com data de estreia anunciada no nosso país)

Melhor Filme — Drama
. A INVENÇÃO DE HUGO

Melhor Filme — Comédia ou Musical
. O ARTISTA

Melhor Actor — Drama
. George Clooney, por OS DESCENDENTES

Melhor Actriz — Drama
. Viola Davis, por AS SERVIÇAIS

Melhor Actor — Comédia ou Musical
. Jean Dujardin, por O ARTISTA

Melhor Actriz — Comédia ou Musical
. Michelle Williams, por A MINHA SEMANA COM MARILYN

Melhor Actor Secundário
. Christopher Plummer, por ASSIM É O AMOR

Melhor Actriz Secundária
. Shailene Woodley, por OS DESCENDENTES

Melhor Realizador
. Martin Scorsese, por A INVENÇÃO DE HUGO

Melhor Argumento
. Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash, por OS DESCENDENTES

Melhor Filme Animação
. RANGO

Melhor Filme Estrangeiro
. UMA SEPARAÇÃO (Irão)

P.S.: e sim: tirem o "açaime" a Ricky Gervais esta noite!

Add To Cart #28

2012-01-14T17:25:00.000-01:00

Agent Provocateur

2012-01-13T17:20:00.000-01:00

Paz de la Huerta, provavelmente a actriz da actualidade que mais pele exibe por metro de película [veja-se OS LIMITES DO CONTROLO (2009, Jim Jarmusch) ou ENTER THE VOID (2009, Gaspar Noé)], assume as "rédeas" da nova campanha da Agent Provocateur e personifica toda a sensualidade da marca, com algum cabedal à mistura, nuns esteticamente irresistíveis sessão fotográfica e vídeo de apresentação:

[Fonte: London Evening Standard.]

Hollywood Buzz #152

2012-01-13T12:20:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre CONTRABAND, de Baltasar Kormákur:

«This solid if disposable genre exercise maintains a hard-driving line of action and a commitment to one-damned-thing-after-another storytelling that carries it past any number of narrative speedbumps and preposterous detours.»
Justin Chang, Variety.

«The absurdity of the story in the largely thrill-free thriller CONTRABAND, its hairpin twists and outrageous coincidences, may keep even hungry action fans away.»
Manohla Dargis, The New York Times.

«It's exactly the sort of movie that Hollywood specializes in, the kind which seems on paper as if it ought to be entertaining, but winds up a massive and chaotic drag.»
Andrew O'Hehir, Salon.com.

«CONTRABAND, while often grungy and far-fetched, does keep you watching. And in January, that's recommendation enough.»
Owen Gleiberman, Entertainment Weekly.

«The lead role of a working class former smuggler who dirties his hands again to save his family fits Mark Wahlberg like a glove.»
Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

Curiosidade da Semana

2012-01-12T00:55:00.000-01:00

A moda dos mash-ups (união de dois trailers distintos, conferindo todo um novo aspecto a um determinado filme) não é recente. Contudo, Brad Hansen começa a ser um nome a ter em atenção neste género de exercício.

Depois de The Lion King Rises, é a vez de WALL-E receber um tratamento semelhante, agora inspirado nos sons e atmosfera do trailer de PROMETHEUS, próximo filme de Ridley Scott que estreia, em Portugal, no próximo mês de Junho. E, uma vez mais, o resultado é fantástico:

[Fonte: Cinema Blend]

Agenda Cinematográfica

2012-01-10T19:00:00.000-01:00

:: ZERO EM COMPORTAMENTO ::

3ª MOSTRA DE CINEMA DE HONG KONG

Mais informações aqui.

Agenda Cinematográfica

2012-01-09T17:40:00.002-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

PREMIADOS CINANIMA 2011

. PRÉMIO JOVEM CINEASTA PORTUGUÊS < DE 18 ANOS

NÓS TERRA

Realização: Colectivo de Crianças da EB1 de Trás-os-Montes, Polo 3 — Ilha de Santiago, Cabo Verde.

"Vou contar essa estória..." NÓS TERRA é um filme animado, contado e vivido por meninos do interior da Ilha de Santiago. Através dos seus testemunhos, cruzam-se experiências comuns a todos os que partilham um lugar que aguarda que a chuva caia, pois o cultivo da terra é a sua fonte de riqueza e de subsistência.
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. PRÉMIO JOVEM CINEASTA PORTUGUÊS > DE 18 ANOS

BATS IN THE BELFRY

Realização: João Alves.

Após uma tentativa frustrada durante o dia, Deadeye Jack tenta retomar um assalto usando a noite como cobertura. Mas, ao surpreender os donos do dinheiro, Jack interrompe uma refeição da qual se arrisca a tornar-se o prato principal.
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. PRÉMIO ANTÓNIO GAIO

SEM QUERER

Realização: João Fazenda.

Uma jovem mulher recebe um postal com o quadro que o pai lhe apresentou na infância como sendo uma lição de vida. Resolve ir ao museu revê-lo tantas e tão prolongadas vezes que a tela desaparece. Terá sido um roubo banal ou demasiado desejo?
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. PRÉMIO RTP2: ONDA CURTA / PRÉMIO JOSÉ ABEL

MAIS UMA VEZ!

Realizacão: T. Okruzhnova, E. Ovchinnikova, N. Pavlycheva, E. Petrova, M. Arkhipova e A. Yakhyaeva.

Um dia da infância que queremos lembrar uma vez, e outra vez...
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. PRÉMIO MELHOR BANDA SONORA ORIGINAL

ARACHMANINOFF

Realização: René Lange.

Uma aranha desceu até à mesa de som. Um martelo tira o pio a aranha.
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. PRÉMIO DO PÚBLICO

DANNY BOY

Realização: Marek Skrobecki.

DANNY BOY é um filme que aborda o problema social da alienação, contudo em forma de sátira social. Um jovem, claramente diferente dos demais, vagueia pelas ruas sem destino. Um dia, conhece uma jovem. Será que esta, ciente das suas diferenças, o vai rejeitar?
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. PRÉMIO MELHOR CURTA-METRAGEM — FILME DE FIM DE ESTUDOS E/OU DE ESCOLA / PRÉMIO GASTON ROCH

PLAYING GHOST

Realização: Bianca Ansems.

Amy, de cinco anos de idade, e a mãe estão devastadas com a morte do pai, mas de formas muito diferentes. Enquanto a mãe se refugia na solidão e tenta manter-se fiel à sua rotina, Amy procura uma fuga mágica mas que também tem os seus perigos.
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. PRÉMIO ESPECIAL DO JÚRI / PRÉMIO RTP2: ONDA CURTA

AS CORDAS DE MUYBRIDGE

Realização: Pawel Debski.

Será que podemos parar o tempo? Será que podemos fazer com que o tempo volte atrás? Este filme é uma meditação sobre este tema, colocando em contraste o mundo do fotógrafo Eadweard Muybridge — que, em 1878, fotografou com sucesso as diferentes fases do galope de um cavalo — e o de uma mãe, que, ao tomar consciência do crescimento da filha, se apercebe que ela lhe foge por entre as mãos.
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. GRANDE PRÉMIO CINANIMA 2011

O INQUILINO

Realização: Jason Carpenter.

Um menino é deixado em casa de uma mulher idosa para passar o dia. A casa fica no meio de um campos de ervas daninhas e peras que apodrecem. Um homem solitário, que tem aí um quarto alugado, acrescenta um ar mais assustador ao ambiente. A morte de uma galinha faz com que essa casa de acolhimento seja um local cruel e estranho para o menino, que aprende que o carinho pode ser manifestado de formas inesperadas.
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. PRÉMIO MELHOR CURTA-METRAGEM — até 5 minutos / PRÉMIO ALVES COSTA

KUBLA KHAN

Realização: Joan Gratz.

Interpretação animada de um poema de Samuel Taylor Coleridge, de 1797. A sua "visão num sonho" foi escrita sob a influência do ópio.
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. PRÉMIO MELHOR CURTA-METRAGEM — mais de 5 até 25 minutos

SEGUNDA MÃO

Realização: Isaac King.

Prefere poupar tempo ou guardar coisas? O filme analisa a desigualdade e desperdício criados pelas obsessões dos tempos modernos.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar — Entrada livre.

TCN Blog Awards 2011 — A Cerimónia

2012-01-08T21:35:00.000-01:00

Antes de mais ei-lo:

Obrigado a todos os que deram a honra ao Keyzer Soze's Place, este blog de nome estranho, administrado a partir do meio do Atlântico e que, curiosamente, completou nove anos de existência no passado dia 6, de ser escolhido como Melhor Blog Individual de 2011.

Impera, agora, fazer justiça a esta inesperada e gratificante honra.

E parabéns aos merecidos vencedores:

Melhor Blogger: Pedro Andrade (TVDependente)
Melhor Blog Colectivo: TVDependente
Melhor Artigo: Mundo Mágico vs. Caixinha Mágica (Vítor Rodrigues, TVDependente)
Melhor Crítica: Game of Thrones: 1×01 – Winter is Coming (HBO) (Syrin, TVDependente)
Melhor Iniciativa: José e Pilar aos Óscares (Tiago Ramos, Split Screen)
Melhor Novo Blog: Blockbusters
Melhor Revista: Empire

Parabéns, igualmente, a todos os nomeados e ao Miguel Reis do Cinema Notebook por esta iniciativa que possibilita o fantástico momento de reunir, presencialmente, uma significativa fatia da comunidade blogger de Cinema e TV nacional.

E ainda há um vídeo da cerimónia!

[Vídeo: Antestreia, o qual, a respeito da blogosfera de Cinema e TV portuguesa, afirma que "não há vencedores nem vencidos, apenas super bloggers". E eu concordo plenamente.]

"Óscares" de Marketing Cinematográfico [4ª Edição]

2012-01-04T00:15:00.001-01:00

É com enorme prazer que o Keyzer Soze's Place volta a desafiar a comunidade blogger cinematográfica e generalista a votar no melhor que se concretizou, durante o ano de 2011, em termos de promoção cinematográfica.

Os últimos doze meses foram férteis em criatividade direccionada para a comercialização de um filme e, nas escolhas que constituem as nomeações, é interessante observar como o melhor não foi proporcionado pelos blockbusters (investidores agressivos de campanhas de marketing), mas sim por produções de ambições modestas.

Assim, as categorias são Melhor Poster, Melhor Trailer, Melhor Site Oficial e Melhor Campanha Publicitária — cada uma acompanhada de opções pré-definidas, existindo também a possibilidade de cada um indicar outro caso meritório de reconhecimento na própria janela de votação.

Os dados estão lançados e a "urna" estará aberta até ao dia 31 de Janeiro.
Agradeço, desde já, a vossa participação.

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A) Melhor Poster de 2011

Nesta categoria, os nomeados são:

1) O ATALHO

Design: Marlene McCarty

2) O DEUS DA CARNIFICINA

Design: monsieur x studio

3) JANE EYRE

Design: BLT & Associates

4) MEIA-NOITE EM PARIS

Design: Cardinal Communications USA

5) SUPER 8

Design: BLT & Associates

B) Melhor Trailer de 2011

Nesta categoria, os nomeados são:

1) CISNE NEGRO

2) CONFISSÕES DE UMA NAMORADA DE SERVIÇO

3) ENTERRADO

4) RANGO

5) ROAD TO NOWHERE — SEM DESTINO

C) Melhor Site Oficial de 2011

Nesta categoria, os nomeados são:
(para acederem aos sites, basta clicar na imagem que acompanha as nomeações)

1) A ÁRVORE DA VIDA

2) CARLOS

3) CISNE NEGRO

4) O GATO DAS BOTAS

5) A TOUPEIRA

(para aceder ao site, é solicitado um código — se olharem com atenção para a página de entrada, encontra-lo-ão depressa...)

D) Melhor Campanha Publicitária de 2011

Nesta categoria, os nomeados são:

1) APOLLO 18

Já não é segredo para ninguém que o recém-estreado APOLLO 18 é um faux-documentary revelador dos motivos secretos pelos quais a NASA decidiu terminar o seu programa de exploração lunar.

Mas, durante os meses anteriores ao seu lançamento comercial, e escondido no site oficial do filme, uma página intitulada "cerberus station 9" foi divulgando supostos documentos confidenciais — subrepticiamente anunciados via Twitter — e que descortinavam o encobrimento, pela NASA, do "fatídico destino" dos tripulantes da Apollo 18.

2) SUCKER PUNCH — MUNDO SURREAL

Entre as opções disponíveis no site oficial de um dos filmes menos consensuais de 2011, encontrava-se a opção Trailer Painter, onde os visitantes poderiam seleccionar o(s) seu(s) frame(s) favorito(s) do trailer de SUCKER PUNCH — MUNDO SURREAL e conferir-lhe, segundo a sua inspiração e criatividade, um aspecto totalmente renovado.

O resultado visual conseguiu ser diversificado e, em alguns casos, impressionante, naquela que foi uma das ideias de marketing mais participadas do ano transacto.

3) SUPER 8

Em termos de marketing viral, foi a campanha mais "omnipresente" de 2011. Logo desde o seu teaser (que nos encaminhava para o site Scariest Thing I Ever Saw) até à revelação do Super 8 Editing Room, outro endereço que publicou, durante meses e com aviso prévio nas redes sociais, pequenos excertos de um pequeno e secreto documentário produzido pelos mesmos militares presentes no filme de J.J. Abrams.

Para além disso, ainda nos foi proporcionada mais informação viral nos seguintes locais:

. Rocket Poppeteers: site oficial de uma marca de gelados, onde se promovia um "programa de treino espacial" para adolescentes, com o astronauta 'Coop' Cooper como mascote;
. Hookline and Minker: blog de Josh Minker, um apaixonado por pesca desportiva, cujo pai ausente estaria envolvido em pesquisas sobre tecnologia extra-terrestre;
. Revalistic: blog dedicado aos segredos da Área 51, administrado por uma "Sarah", amiga do acima referido Josh;
. What Is The #Super8Secret?: endereço viral que oferecia pré-visionamentos de SUPER 8 (actualmente incorporado no site oficial do filme).

Curiosidade da Semana

2012-01-03T03:30:00.000-01:00

THE DARK KNIGHT RISES meets O REI LEÃO naquela que já é, muito provavelmente, uma das ideias mais bem conseguidas deste novo ano: a junção do áudio do trailer do próximo filme de Christopher Nolan dedicado a Batman com as imagens do clássico da Disney.

A sincronia dos dois elementos é deveras impressionante, o autor (Brad Hansen) está de parabéns pelo fantástico trabalho e só nos resta esperar por mais paródias relacionadas com o trailer de THE DARK RISES:

E quem bem fica Scar a "proferir" a já célebre ameaça de Bane...

[Fonte: BuzzFeed]

Agenda Cinematográfica

2012-01-02T13:20:00.001-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

SOY CUBA / SOU CUBA (1964), de Mikhail Kalatozov

"Sou Cuba, Cuba dos casinos, mas também das pessoas."

Em 1961, ano em que os Estados Unidos cortaram relações diplomáticas com Cuba, o presidente russo Nikita Krushev, em acordo com Fidel Castro, recém-chegado ao poder, produziu um filme para servir de propaganda da revolução cubana. Naquela época, Cuba era o primeiro país da América Latina a fazer uma revolução contra o regime capitalista.

Assim nasce SOU CUBA, um filme que teve dois anos de produção e contou com aproximadamente 200 pessoas na equipe. Dirigido pelo russo Mikhail Kalatozov e fotografado por Serguey Urusevski, a mesma dupla já consagrada por QUANDO PASSAM AS CEGONHAS (vencedor da Palma de Ouro do Festival de Cannes em 1958), SOU CUBA era para ser a epopeia de uma revolução, um "poema filmado" em homenagem ao regime socialista.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Críticas da Semana

2012-01-01T21:15:00.001-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. O DEUS DA CARNIFICINA
. TEXAS KILLING FIELDS
. MONEYBALL
. BELLFLOWER

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. O DEUS DA CARNIFICINA (2011), de Roman Polanski

Os Longstreet (John C. Reilly e Jodie Foster) e os Cowan (Christoph Waltz e Kate Winslet) reúnem-se civilizadamente para conversar a propósito duma cena de violência entre os dois filhos de onze anos. E, no decorrer de uma tarde, os dois casais revelam a sua verdadeira natureza.

Na sua génese, O DEUS DA CARNIFICINA era um projecto cinematográfico com todos os ingredientes para a concepção de um filme electrizante em todos os sentidos: elenco infalível, fonte literária mordaz e apurada e o background de Polanski na adaptação de peças de teatro (veja-se o impressionante mas sonegado pelo decorrer dos anos A NOITE DA VINGANÇA) e proficuidade narrativa em espaços exíguos (patenteado em REPULSA ou O INQUILINO).

Surpreendentemente, esta verborrágica demonstração de inumanidade urbana não ganha muito com a sua transposição para o grande ecrã, deixando-nos perante um filme pouco "cinemático". Em contrapartida, temos a exibição de talento por parte do elenco (sobretudo o inevitável Christoph Waltz, numa divertidíssima composição de white trash capitalista e incapaz de largar o telemóvel mesmo quando a discussão atinge níveis incendiados) e a nossa atenção irremediavelmente virada para a acutilância dos diálogos, os quais são a força motriz de um título capaz de reacender o debate sobre o carácter filmíco de algumas produções teatrais. Já agora, estejam atentos a mais um muito discreto cameo do próprio Roman Polanski...

. TEXAS KILLING FIELDS (2011), de Ami Canaan Mann

Nos pântanos de uma pequena localidade do Texas, um detective local (Sam Worthington) forma parceria com Brian Heigh (Jeffrey Dean Morgan), um polícia de Nova Iorque, para investigar e solucionar uma série de homicídios.

Primeiro filme de Ami Canaan Mann, filha do também realizador Michael Mann, é uma obra onde abundam os tiques de estreante e a influência genética de quem deseja seguir "trajectos paternais". E embora tenhamos a adequada atmosfera suja e húmida do sul do Texas, parecendo emular, a espaços, um episódio de TWIN PEAKS (e isso muito antes de percebermos que Sheryl Lee integra o elenco), o argumento é um caos de relações mal desenvolvidas e pontas soltas em demasia.

Indeciso entre um comentário sobre a anarquia inerente a qualquer investigação criminal no seio de uma comunidade suburbana conservadora e os esforços da justiça para a resolução de um caso particular de violência doméstica, TEXAS KILLING FIELDS sofre, acima de tudo, por não ter apostado na velha fórmula do "quanto mais simples melhor" — a sua "dimensão" afecta também as interpretações, não sendo possível destacar quem está, neste contexto, mais inspirado. Num filme pelo qual nutria expectativas elevadas, acaba por me "consolar" a probabilidade de, num futuro próximo, ser-nos disponibilizado o seu director's cut.

. MONEYBALL (2011), de Bennett Miller

A história de Billy Beane (Brad Pitt), director desportivo da equipa de beisebol Oakland A's, que procura compensar um orçamento reduzido para transferências de jogadores com a aplicação de análise estatística e informática para recrutar os melhores talentos disponíveis.

Título apropriado para fãs de Brad Pitt e/ou de beisebol (e estejam atentos para a sua presença nas principais atribuições de prémios que agora se avizinham), MONEYBALL é um daqueles exemplos flagrantes de filme sobre vitórias morais com um determinado enquadramento — neste caso, o desportivo — como pano de fundo sem nunca conseguir elevar-se da mediania sobrevalorizada.

Não sendo desprovido dos seus momentos distintos — o detalhar do método matemático para a constituição de uma equipa de beisebol vencedora ou a sugestão de como a neurose supersticiosa do general manager protagonista pode influenciar o desenlace de um jogo são pautados por um trabalho de montagem muito eficaz — e de uma interpretação segura (quem sabe, premiada) por parte de Brad Pitt, MONEYBALL sofre, acima de tudo, da "estranheza" que o seu assunto poderá encontrar fora dos EUA (frases como «He gets on base a lot» serão autênticos mistérios para mim até ao dia em que me inteirar das regras da modalidade...) e de uma metragem desnecessariamente longa. Todavia, recomenda-se a visualização.

. BELLFLOWER (2011), de
Evan Glodell

Dois amigos (Evan Glodell e Tyler Dawson) decidem concretizar um sonho de infância inspirado em MAD MAX: construir um carro apetrechado de lança-chamas e garantir, assim, a sua sobrevivência quando o "Apocalipse" acontecer. Entretanto, um deles apaixona-se e enceta numa viagem de traição, ódio e infidelidade com consequências extremas.

Encarem-no como uma "resolução de Ano Novo", mas passarei a dar, sem reservas, nota muito positiva a todo o filme que se revelar tão visualmente impressionante e semi-inovador quanto este BELLFLOWER, cuja estética aparenta soçobrar a vacuidade de uma história que explode (literalmente, aliás) na sua última meia-hora. Obra de intensa paixão, energia e carácter pessoal — note-se que o realizador também é aqui a personagem principal —, confunde deliberadamente o espectador através da sua narrativa não-linear, linhas temporais alternativas e ausência de motivações dos intervenientes para culminar numa das mais arrepiantes "dor de corno" a que assisti em tempos recentes.

Embora o argumento não esteja livre de falhas — e quando Glodell tiver um em seu poder que não as tenha, então veremos mesmo algo de realmente único —, o seu esquema cromático onde o amarelo-quente é predominante, o seu pragmatismo trágico digno de Michael Haneke e as suas referências pop tornam-no num projecto a não perder de vista. Mesmo que ainda não possua data prevista de estreia em Portugal...

Feliz 2012!

2011-12-31T12:30:00.000-01:00

O Keyzer Soze deseja a todos um Feliz e Próspero Ano Novo, repleto de concretizações e de muitos bons filmes!

2011 no Cinema (2ª Parte)

2011-12-30T14:55:00.000-01:00

2011: OS MELHORES

Apesar dos tempos conturbados que a Sétima Arte parece enfrentar — desempenhos irregulares de bilheteira, a "morte" da película, o constante sentimento de desconforto na indústria —, permanece na memória o melhor que se viu e produziu em 2011.

Segue-se a habitual selecção do Keyzer Soze dos 10 melhores filmes estreados comercialmente no nosso país em 2011, justificados (e esta é a novidade deste ano) através de sequências representativas dos títulos eleitos.

O rol de obrigatórias menções honrosas, para uma efectiva compreensão do ano cinematográfico prestes a encerrar, é apenas consequência da variedade qualitativa a que assistimos.

Para debate, refutação e memória futura:

10º
POST MORTEM (Pablo Larraín)

9º
INSIDIOSO (James Wan)

8º
JANE EYRE (Cary Fukunaga)

7º
SUBMARINO (Richard Ayoade)

6º
UMA SEPARAÇÃO (Asghar Farhadi)

5º
CISNE NEGRO (Darren Aronofsky)

4º
O ATALHO (Kelly Reichardt)

<a href='http://www.bing.com/videos/browse?mkt=en-us&vid=921c9214-8791-40d2-b0d0-3ea47ff469cb&src=v5:embed::' target='_new' title=''Meek's Cutoff' Clip: "Chaos and Destruction"' >Video: 'Meek's Cutoff' Clip: "Chaos and Destruction"</a>

3º
ROAD TO NOWHERE — SEM DESTINO (Monte Hellman)

2º ex-aequo
VALHALLA RISING — DESTINO DE SANGUE (Nicolas Winding Refn)

DRIVE — RISCO DUPLO (Nicolas Winding Refn)

1º
A ÁRVORE DA VIDA (Terrence Malick)

Menções honrosas para (e por ordem de estreia no nosso país): o melancólico e trágico BIUTIFUL (Alejandro González Iñárritu); a crueza da natureza humana em DESPOJOS DE INVERNO (Debra Granik); a sublime descoberta da beleza em POESIA (Chang-dong Lee); o onirismo do jovem protagonista de MEL (Semih Kaplanoglu); a retórica da lei da bala em TROPA DE ELITE 2 — O INIMIGO AGORA É OUTRO (José Padilha); o formalismo histórico de 48 (Susana Sousa Dias); a anarquia artística de BANKSY — PINTA A PAREDE! (Banksy); o terrorismo globetrotting de CARLOS (Olivier Assayas); a descomprometida intensidade de EU VI O DIABO (Jee-woon Kim); Hemingway, Dali e Fitzgerald em MEIA-NOITE EM PARIS (Woody Allen); o real social de SANGUE DO MEU SANGUE (João Canijo); e aquilo que não se revela à superfície em UM MÉTODO PERIGOSO (David Cronenberg).

Add to Cart #27

2011-12-29T20:25:00.001-01:00

«If indeed we are approaching the end of cinema — it can be argued that the 2000s were the last decade of cinema as we knew it, before technology altered it beyond recognition and the movie theater was superseded by the computer screen — then this study is both a celebration of moviemaking and an elegy for a soon-to-be-lost art.»

2011 no Cinema (1ª Parte)

2011-12-29T12:40:00.000-01:00

2011 EM PORMENORES

O bom, o mau, o surpreendente e o banal estão sempre nos detalhes... Do cinema estreado comercialmente no nosso país em 2011, eis quinze "categorias" analisadas e que falam por si:

O Filme Mais Subvalorizado do ano:

. INSIDIOSO (James Wan), é o POLTERGEIST (Tobe Hopper, 1982) do Século XXI, o género de filme a que poderíamos fechar os olhos e permanecer em inquietação por sua causa. Thriller que aborda o género da "casa assombrada" com os habituais mecanismos das portas rangentes e abundantes sobressaltos nocturnos, também nos cativa, contudo, pela sua atmosfera totalmente despretensiosa e por uns quantos sussurros escutados através de um intercomunicador de bebés...

O Filme Mais Sobrevalorizado do ano:

. FILME SOCIALISMO (Jean-Luc Godard), genuíno mau filme que confunde ainda mais pela respectiva recepção positiva que lhe é granjeada pelas variadas listas de melhores do ano. Não se procure aqui preciosos achados de semântica, olhemos para o filme tal como ele é: um art film assinado por um indivíduo cada vez mais determinado em não comunicar com qualquer (a sua?) plateia.

O Melhor Filme do ano que não conheceu estreia em Portugal:

. SENNA (Asif Kapadia), exemplo vivo do poder dramático das imagens de arquivo, é um documentário com ritmo de épico histórico, uma história de motores, máquinas e política desportiva que revela a espantosa humanidade de Ayrton Senna.

A Interpretação Masculina do ano:

. Alfredo Castro em POST MORTEM (Pablo Larraín), a transportar o conceito de "anti-herói" a um nível quase pérfido.

A Interpretação Feminina do ano:

. Anabela Moreira em SANGUE DO MEU SANGUE (João Canijo). Desde Ana Moreira em OS MUTANTES (Teresa Villaverde, 1998) que não se via tal entrega e descomprometimento por parte de uma actriz lusitana.

O Actor do ano:

. Ryan Gosling, exemplo de versatilidade com BLUE VALENTINE — SÓ TU E EU (Derek Cianfrance), AMOR, ESTÚPIDO E LOUCO (Glenn Ficarra e John Requa), NOS IDOS DE MARÇO (George Clooney) e DRIVE — RISCO DUPLO (Nicolas Winding Refn) - tendo estreado, directamente no mercado de DVD, ENTRE SEGREDOS E MENTIRAS (Andrew Jarecki).

A Actriz do ano:

. a omnipresente Jessica Chastain, que viu estrear, em 2011, A DÍVIDA (John Madden), A ÁRVORE DA VIDA (Terrence Malick) e AS SERVIÇAIS (Tate Taylor) - já para não falar dos (ainda) inéditos em Portugal TAKE SHELTER (Jeff Nichols), CORIOLANUS (Ralph Fiennes) e TEXAS KILLING FIELDS (Ami Canaan Mann).

O Regresso do ano:

. Monte Hellman regressa ao activo, após vinte e três anos de "reclusão", com o enigmático e brilhante ROAD TO NOWHERE — SEM DESTINO.

A Revelação do ano:

. Susana de Sousa Dias, documentarista a ter em conta pelo seu inovador "formalismo da realidade" patenteado em 48.

A Desilusão do ano:

. AS AVENTURAS DE TINTIN, ou como Hergé estava enganado acerca de Steven Spielberg.

A Interpretação Histórica do ano:

. Salvador Dali por Adrien Brody, em MEIA-NOITE EM PARIS (Woody Allen).

A Banda Sonora do ano:

. Jane Eyre por Dario Marianelli.

O Plano-Sequência do ano:

. HANNA (Joe Wright):

ex aequo com AS QUATRO VOLTAS (Michelangelo Frammartino):

O Animal de Estimação do ano:

. Arthur, em ASSIM É O AMOR (Mike Mills).

O Adereço do ano:

. o casaco envergado por Ryan Gosling em DRIVE — DUPLO RISCO (Nicolas Winding Refn), invejável peça de seda branco-dourado à venda aqui.

A "Polémica" do Mês #7

2011-12-28T14:20:00.001-01:00

Como a blogosfera cinéfila nacional divergiu, este mês, sobre DRIVE — RISCO DUPLO, de Nicolas Winding Refn.

«Terrivelmente belo, genialmente violento, assim é DRIVE — RISCO DUPLO, o exemplo do melhor cinema que se fez em 2011.»
Inês Moreira Santos, Espalha-Factos.

«Acima de tudo, talvez seja melhor dizer simplesmente que é um filme "estranho", e que deve ser visto para que decidam como o descrever.»
Carlos Martins, Um Dia Fui ao Cinema.

«Sem química que alimente a história de amor, resta a trama criminosa, que pode descrever-se por uma linha comatosa com alguns picos abruptos. Infelizmente, aqui também não há nada de novo.»
Ricardo Lopes Moura, axasteoquê?!?.

Curiosidade da Semana

2011-12-27T20:20:00.001-01:00

David Lynch em Quatro Movimentos, um tributo vídeo ilustrado pelas icónicas partituras de Angelo Badalamenti da autoria de Richard Vezina, pretende invocar os temas e obsessões visuais do realizador de VELUDO AZUL (1986) e MULHOLLAND DRIVE (2001).

E apesar da sua duração (20 minutos), revela-se um produto audiovisual obrigatório para fãs de Lynch:

O segundo movimento, intitulado «The Pink Room», é prodigioso na súmula do dinamismo que abunda na obra do cineasta...

[Fonte: Flickering Myth.]

#34

2011-12-27T12:50:00.000-01:00

... segundo as palavras do derradeiro participante desta iniciativa — a saber, o ArmPauloFer, do blog Ecos Imprevistos:

Fazer uma escolha dos 10 filmes da minha vida não é uma tarefa assim tão simples quanto parecia. Perante tal dilema, decidi que os 10 filmes teriam de representar a evolução de quem sou e com isso serem escolhas irrevogáveis. Escolhas que, apesar de subjectivas, não mudem nem hoje nem daqui a 40 anos e por isso intensamente profundas para mim.

. SUPER-HOMEM
(1978, Superman, Richard Donner)

Ser criança, ler comics, ter o Super no top dos preferidos, tentar fazer desenhos dele... e um dia ver em imagem real que este homem realmente voa, segura um helicóptero com uma mão e faz de linha férrea para impedir o descarrilar dum comboio (e muito mais no mesmo decorrer de filme), com tudo tão bem feito, com uma icónica banda-sonora tão imponente que ainda hoje me arrepia (verídico)... foi memorável até hoje. Exibido numa Quarta-feira, na "Lotação Esgotada" da RTP1, fez com que na primária não se falasse de mais nada nos dias seguintes (o mesmo sucedeu com o Rambo...).

Em casa, andei muitas vezes com uma toalha pelas costas a fazer de capa, a desenhar montes de Superman e especialmente o "S" com obsessão. Ainda hoje o faço...
O verdadeiro primeiro filme da minha vida, pelo impacto que teve (as repercussões chegam até à minha profissão — artes gráficas) e um que relembro constantemente ao longo dos anos.

Ao lado deste e com igual impacto, o primeiro BATMAN de Tim Burton... ambos são inabaláveis.

. REGRESSO AO FUTURO
(1985, Back to the Future, Robert Zemeckis)

Este filme representa a primeira vez que fui ao cinema e a sair da sala totalmente maravilhado. Já tinha ido antes mas eu queria era mais maravilhamento, coisa que o MÚSICA NO CORAÇÃO não foi suficiente.

O Michael J.Fox no skate, a canção do Huey Lewis, as portas do carro que abriam para cima, que na verdade é uma máquina do tempo que deixa trilhos de fogo quando parte, um cientista maluco espectacular, paradoxos temporais e existenciais, diversas linhas temporais, uma grande aventura... isto era magia pura!!!

Era um puto de 10 anos em êxtase e o título do filme até serviu de razão para o professor de inglês, na preparatória, evidenciar as diferenças do inglês americano para o de Londres. A utilidade pedagógica do cinema...

. A LISTA DE SCHINDLER
(1993, Schindler's List, Steven Spielberg)

Com este filme Spielberg reúne tudo o que de melhor sabe e para mim ergue talvez mesmo a sua obra-prima de sempre. Não só é um belíssimo tributo a Schindler e ao legado deixado, como serve de visao personalizada da guerra, do holocausto nazi, da recessão, da fome, etc... como também por nos colocar junto das vitimas desafortunadas e sobretudo da tremenda luta que Schindler travou pelos "seus" judeus.

A "magia" visual de Spielberg também foi aplicada nesta obra ao preto-e-branco, pois o quanto nos marca e intriga os vislumbres da criança a cores...

Avassalador!

. PULP FICTION
(1994, Pulp Fiction, Quentin Tarantino)

Tinha ficado impressionado com o CÃES DANADOS numa exibição no Fantasporto e lá fui ver este, que até despertava curiosidade em ver como se safava a portuguesa Maria de Medeiros num filme americano. Quando saí da sala de cinema (o extinto Lumiere -Porto), estava de sorriso largo. Encheu-me as medidas este tremendo filme puzzle sem perder de vista a "pop culture" e mais que isso, que inesquecível banda-sonora!

Não foi à toa que foi o primeiro CD de uma OST que adquiri e também o meu primeiro DVD (nem leitor tinha sequer).

É para mim a obra-prima absoluta de Quentin Tarantino. Incontornável!

. TOY STORY: OS RIVAIS
(1995, Toy Story, John Lasseter)

Quando saiu fui ver e... naquele momento percebi claramente que esta animação era especial sob qualquer perspectiva. Um filme singular e sem igual, acima de tudo pela novidade de ser gerado inteiramente por computador e, apesar de todo o artificio técnico, sabia contar uma história com sub-textos de interpretação e sem esquecer o encantamento duma boa fantasia muito bem pensada. Revolucionário inquestionável!

Depois deste filme o nome Pixar ficou logo assimilado.

. ADEUS, PAI
(1996, Adeus, Pai, Luís Filipe Rocha)

Não foi o primeiro filme português que me levou ao cinema mas foi aquele que mais me impressionou e marcou. Um filme onde o termo "E se?" perdurou sempre na minha mente. No fundo, é uma criança que quer mais do seu pai... e o seu pai o atende mas tem um "adeus" no horizonte. Enternecedor, muito bom o exercício, magico e marcante. E surpreende com um final onde é o espectador que leva consigo a missão de aprender algo com esta história. Grande cinema moderno português!

. A MULHER QUE VIVEU DUAS VEZES
(1958, Vertigo, Alfred Hitchcock)

A semente cinéfila desenvolveu-se imenso nesta fase, desde as conversas com outros estudantes. Foi sobretudo, quando o grande cinefilo-critico Bénard da Costa, conduzia os seus programas cinéfilos na RTP2, gradualmente apresentando obras para a descoberta acontecer no espectador com entusiasmo.

Naquela altura, aqueles programas foram autênticas aulas de cinema, funcionavam por ciclos semanais e passando por diversos nomes importantes por semana, do Orson Welles a todos os outros, mas o desfile Hitchcock foi tão forte que parava ali quieto para nada perder, sendo o culminar a forma apaixonada como Bénard da Costa apresentou VERTIGO, onde primeiro contextualizou o que iríamos ver e depois de exibido regressaria para o debater, dando ênfase aos pontos chaves desta magnifico filme de Hitchcock. Gigantes: filme, realizador e o critico-didáctico.

. O QUARTO MANDAMENTO
(1942, The Magnificent Ambersons, Orson Welles)

nesquecível. Este é o filme de Welles que mais me impressionou, especialmente pela narrativa. Tenho a impressão que ficou sempre na sombra do CITIZEN KANE mas deixou-me encantado totalmente. Welles trata esta obra sobre a ascensão e queda de uma família, como um verdadeiro épico, que atravessa os tempos pontuado pela voz-off do realizador. Considero-o uma obra-prima!

. MATRIX
(1999, The Matrix, Andy e Larry Wachowski)

"What is the matrix?" era esta a pergunta que nos entregava o marketing, que de uma assentada só colocava o cerne da intriga na mente do ansioso espectador. E eu era um desses ansiosos em 1999. Digo, da minha apreciação que me significou imenso, maravilhou-me a todos os níveis a pontos de ser um pessoal standard cinéfilo de entretenimento de acção que atravessa tantos outros géneros com brilhantismo, tudo isto numa narrativa muito elaborada e com imensos sub-textos dignos de reflexão.

. DISPONÍVEL PARA AMAR
(2000, Fa yeung nin wa, Wong Kar Wai)

Tenho um fascínio tremendo por esta obra. A dolência da imagem, o apuro visual, a precisão da banda-sonora, o design de produção, o vestuário e toda a classe que emana num historia marcante onde a honra e princípios sociais retiram o poder de entrega física a duas pessoas que sabem terem sido traídas pelos cônjuges e acabam ambos descobrindo um verdadeiro amor mútuo... mas impedem-se de consumar tão forte amor. Magnífico!

--//--

Obrigado, Armindo, pela tua participação!

Agenda Cinematográfica

2011-12-26T13:45:00.000-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

UIVO (2010), de Jeffrey Friedman e Rob Epstein

São Francisco, 1957. Uma obra-prima é julgada e esse é um momento decisivo para a contra-cultura americana.

O filme recria a vida de Allen Ginsberg e do poema Howl, explorando géneros e temas que ainda hoje são actuais: a definição de obscenidade, os limites da liberdade de expressão, a natureza da arte.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Feliz Natal!

2011-12-23T20:30:00.000-01:00

A árvore já está composta...

Um Natal muito cinéfilo para todos!

Hollywood Buzz #151

2011-12-23T10:15:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO, de David Fincher:

«Under the direction of David Fincher and with a screenplay by Steven Zaillian. I don't know if it's better or worse. It has a different air.»
Roger Ebert, Chicago Sun-Times.

«There are waves of brilliantly orchestrated anxiety and confusion but also long stretches of drab, hackneyed exposition that flatten the atmosphere. We might be watching "Cold Case" or "Criminal Minds," but with better sound design and more expressive visual techniques.»
A.O. Scott, The New York Times.

«DRAGON TATTOO is too neatly wrapped up, too fastidious to get under your skin and stay there.»
Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

«Fincher has made THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO into an electrifying movie by turning the audience into addicts of the forbidden, looking for the sick and twisted things we can't see.»
Owen Gleiberman, Entertainment Weekly.

«This is an immersive and powerful thriller, driven by terrific leading performances. It's mostly really good and then it wears out its welcome.»
Andrew O'Hehir, Salon.com.

Curiosidade da Semana

2011-12-22T16:05:00.000-01:00

Michel Gondry assinou, em 2008, BE KIND, REWIND, curiosa e surreal comédia sobre dois gerentes pouco competentes de um videoclube que decidem recriar filmes, como ROBOCOP ou MISS DAISY, através de meios artesanais, num processo apelidado de "sweded".

Três anos depois, Gondry parece não ter abandonado aquele projecto. Prova disso é esta versão "sweded" do clássico TAXI DRIVER de Martin Scorsese, interpretado pelo próprio realizador e em francês:

No mínimo, muito colorido...

[Fonte: P/]

Add to Cart #26

2011-12-21T23:50:00.001-01:00

Agenda Cinematográfica

2011-12-19T16:45:00.001-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

PEDRO CALAPEZ - TRABALHOS DO OLHAR (2009), de Luís Miguel Correia

Pedro Calapez é um dos artistas portugueses com maior destaque internacional. A sua obra, plasticamente poderosa, tem-se desenvolvido de forma consistente desde os anos 70. Mas o seu percurso é rico em alterações, mudanças, invenções, continuidades, uma experiência permanente ao nível da cor, do desenho e dos materiais.

O filme olha de perto o artista no seu atelier ou na montagem de uma exposição, revelando o seu processo de criação, indagando a própria especificidade da pintura. Ao mesmo tempo, é-nos dada a riqueza e as dimensões do trabalho artístico de Calapez, numa viagem que vai da exposição na Galeria Max Estrella, em Madrid, à Casa da Cerca, em Almada, mas também olhando um trabalho cenográfico e revelando as obras públicas, nomeadamente os trabalhos efectuados no Mosteiro dos Jerónimos, na Igreja da Santíssima Trindade, no santuário do Fátima ou na praça em calçada portuguesa na Porta-Sul da Exposição Internacional de Lisboa de 1998.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Críticas da Semana

2011-12-18T21:05:00.001-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. THE FUTURE
. BLUE VALENTINE — SÓ TU E EU
. CONTÁGIO
. HABEMUS PAPA — TEMOS PAPA
. ISTO NÃO É UM FILME

--//--

. THE FUTURE (2011), de Miranda July

Quando um casal (Miranda July e Hamish Linklater) decide adoptar um gato, a sua perspectiva de vida muda radicalmente, culminando numa literal alteração do curso normal do tempo e espaço.

Quando Miranda July estreou EU, TU E TODOS OS QUE CONHECEMOS, em 2005, não haviam dúvidas que — permitam-me a piada — o "futuro" da jovem realizadora afigurava-se interessante. A sua vontade em inovar a narrativa cinematográfica era revigorante e palpável. No entanto, esse talento parece, agora, resultar num descalabro de maneirismos irreconhecíveis em seres humanos e na atitude estanque de concordar, simultaneamente, com tudo e com nada como se daí fosse possível enunciar qualquer filosofia útil de vida.

Se o referido intuito de trazer algo de novo ao cinema independente norte-americano até poderia ser benéfico, o paradoxo de THE FUTURE reside em sofrer dessa ânsia: injecta surrealismo no quotidiano de personagens — felinos incluídos — que perseguem, voluntariamente, o pessimismo e a melancolia, busca em desespero aquilo que alguns apelidam de 'quirky' e, quando consegue exibir algum momento inspirado, regressa novamente ao vazio emocional e de ideias onde nos situa durante todo o filme. A evitar.

. BLUE VALENTINE — SÓ TU E EU (2010), de Derek Cianfrance

Dean (Ryan Gosling) e Cindy (Michelle Williams) tentam salvar o seu casamento. Justapostos com cenas lúdicas que traçam o seu namoro romântico de seis anos, o casal viaja através do desgosto brutal de promessas quebradas e de um amor que está perto do fim.

Mais do que o retrato do colapso de um matrimónio, esta é uma visão desencantada e áspera da classe média norte-americana — será por acaso que a separação do casal protagonista ocorre durante as celebrações do 4 de Julho? — unida ao realismo cínico e segurança narrativa de Cianfrance. E, apesar do sofrimento e crescente desdém conjugal a que assistimos, é impossível não nos identificarmos com o desenrolar de BLUE VALENTINE, de não pensarmos (e, quiçá, lamentarmos) em todos os planos e decisões tomadas no passado e que influenciam o nosso presente.

Se as razões da degradação do casamento de Dean e Cindy estão em profundo contraste com os primeiros dias de felicidade (observados em flashback), tal deve-se ao impressionante trabalho de Ryan Gosling e Michelle Williams, dois case studies de violência psicológica e desonestidade humana fomentada pela ausência de comunicação perante os que mais estimamos. E realismo cinematográfico, quando não exposto através de documentário, é isto. De visualização obrigatória.

. CONTÁGIO (2011), de Steven Soderbergh

À medida que um vírus desconhecido se espalha a uma velocidade nunca vista no mundo contemporâneo, os aspectos menos lisonjeiros da humanidade vão-se revelando.

Pouco recomendado a germofóbicos e cinéfilos em geral, CONTÁGIO é uma mera checklist dos dramas que associamos a este sub-género do filme-catástrofe: do pânico urbano até aos interesses políticos que se delineiam nos bastidores e a (suposta) luta de quem pretende denunciar toda a verdade, sem recorrer a uma montagem especialmente habilidosa nem se centrando numa personagem ou situação em particular.

Não é novidade que Soderbergh se distingue pela variedade de registos, que vão do experimental (SCHIZOPOLIS, 1996) ao entretenimento pointless (OCEAN'S ELEVEN — FAÇAM AS VOSSAS APOSTAS, 2001) com o mesmo à-vontade. Todavia, em CONTÁGIO, o cineasta aparenta somar mais um item à sua carreira — o de "tarefeiro", que reúne uma série de actores consagrados na concepção de uma obra que, só a espaços, revela-se minimamente interessante.

. HABEMUS PAPA — TEMOS PAPA (2011), de Nanni Moretti

O novo papa eleito (Michel Piccoli) sofre um ataque de pânico no momento em que é suposto aparecer na varanda da Praça de São Pedro para saudar os fiéis. Os seus conselheiros, incapazes de o convencer de que ele é o homem certo para o cargo, procuram a ajuda de um conhecido psicanalista (Nanni Moretti).

Apesar de não ser dos meus cineastas de eleição, sempre admirei a coesão que Nanni Moretti ostenta quando aborda a "sátira humanista". E o cenário de um Papa recém-eleito mas acossado por ataques de ansiedade prometia mais do que é aqui concretizado. Ou seja, nem sátira nem paródia, muito longe de se assumir como visão crítica do Vaticano, que falha parcialmente nos momentos deliberadamente construídos como humorísticos mas certeiro na observação das crises de identidade que podem atingir qualquer um de nós.

É nesse aspecto que HABEMUS PAPAM se demonstra um óptimo filme, nomeadamente porque tem a seu favor o rosto e talento de Michel Piccoli e em quem toda a narrativa deveria centrar-se. No fim, o psiquiatra (interpretado pelo próprio Moretti) não chega ao estatuto de caricatura, há uma diversidade de sub-plots cujas intenções nunca são devidamente justificadas e a verdadeira mensagem do filme — a redescoberta do indivíduo — quase passa despercebida. Vale mesmo pelo protagonismo de Piccoli.

. ISTO NÃO É UM FILME (2011), de Jafar Panahi e Mojtaba Mirtahmasb

Jafar Panahi — cujas obras examinam de forma crítica a realizade social do Irão —, condenado a prisão domiciliária e proibido de filmar durante os próximos 20 anos, decide "contar" um filme em vez de o "fazer".

"Isto Não É Um Filme" porque nele não reencontramos o charme e a elegância que caracterizam a carreira cinematográfica de Panahi. Aqui, o cineasta iraniano é um indivíduo quase amedrontado, obviamente frustrado e sedento de expressão criativa. As "encenações" do filme que o impedem de materializar — uma história de amor com um ligeiro toque à Chekhov — representam as alturas mais dinâmicas da vida de um artista obrigado a reaprender os moldes mais básicos de interacção social.

Apresentado clandestinamente no estrangeiro, é um tributo à liberdade de expressão, cujos ideais serão (têm de ser!) estudados no futuro. Muito recomendado.

Filhos de Um Deus Maior #69

2011-12-16T17:25:00.000-01:00

Marion Cotillard à beira de um ataque de nervos: subtítulo apropriado para esta curta-metragem, realizada por John Cameron Mitchell (RABBIT HOLE), para a Dior.

Satírico e cinético mockumentary sobre toda a azáfama em torno das glamorosas campanhas publicitárias de moda, devidamente apetrechado de agentes manipuladores, cabeleireiros desbocados e fotógrafos exigentes:

[Fonte: DesignScene]

Hollywood Buzz #150

2011-12-16T13:30:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre SHERLOCK HOLMES: A GAME OF SHADOWS, de Guy Ritchie:

«Set aside your memories of the Conan Doyle stories, save them to savor on a night this winter and enjoy this movie as a high-caliber entertainment.»
Roger Ebert, Chicago Sun-Times.

«There is a plot, but no real intrigue, mystery or suspense, and no inkling of anything at stake beyond a childish and belligerent idea of fun.»
A.O. Scott, The New York Times.

«After quite a few tedious detours and distractions, when the film finally gets down to the business of a climax at a gathering of elite European diplomats in a precariously perched Swiss mountain castle, it becomes not half-bad.»
Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

«Yet here, as before, part of the movie's perversely cheeky design is that it throws away its own cleverness.»
Owen Gleiberman, Entertainment Weekly.

«Through it all, SHERLOCK HOLMES never slows down. In a season loaded with portentous awards-bait, it is a joyful and sparkling escape.»
Caryn James, indieWIRE.

Golden Globes Buzz

2011-12-15T19:30:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre as nomeações, anunciadas hoje, para a 69ª edição dos Globos de Ouro:

«Although the Golden Globes have become less about predicting the Oscars and more about bringing star power to the ceremony, Thursday's nominations confirm what critics groups have been honoring for months.»
Christy Grosz, Variety.

«The Hollywood Foreign Press has spoken, and guess what? It likes the stars.»
Melena Ryzik, The Carpetbagger — The New York Times.

«So yes, these nominations, as always, are weird. It's certainly not worth being actually angry about them (...), but that doesn't mean there's not something to be said for taking your hat off to the sheer whimsy of, say, pitting Michelle Williams' heartbreaking work as Marilyn Monroe against Kristen Wiig with chocolate stuck to her teeth.»
Linda Holmes, National Public Radio.

«The Globes, as ever, have their very own crazy, stupid, logic.»
Tim Robey, Telegraph.

«But the applause for this film [THE ARTIST], too, is in part evidence of the Globes' eagerness to slap the back of its own industry, to blow Tinseltown's own trumpet. Such self-congratulation is unlikely to be muted once the Oscars come around.»
Catherine Shoard, The Guardian.

Curiosidade da Semana

2011-12-14T15:00:00.000-01:00

Steven Spielberg está a ter um Natal ocupado. Depois da estreia de AS AVENTURAS DE TINTIN — O SEGREDO DO LICORNE, veremos em breve WAR HORSE, nova incursão do realizador por cenários de guerra no Século XX.

Duas boas oportunidades para assistirmos à imagem mais recorrente da filmografia do cineasta, ou seja e de acordo com este ensaio assinado por Kevin B. Lee, a "Spielberg Face" — uma expressão facial de espanto e redenção normalmente provocada por um ou vários motivos offscreen.

Analisando as influências que Steven Spielberg absorveu para a criação desta opção estética, traçando os seus exemplos mais icónicos e detalhando a sua importância na filosofia inerente a A.I. INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL (2001) — um dos seus filmes menos consensuais, incluindo para mim —, constitui interessante objecto de análise para a revisão da carreira do realizador mais famoso da actualidade:

Muito interessante, mas ainda não é desta que assumirei a minha Spielberg Face perante A.I. INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL...

[Fonte: Fandor]

#33

2011-12-13T12:10:00.003-01:00

... segundo as palavras do Gonçalo Trindade, duplamente nomeado nos TCN Blog Awards 2011 para Melhor Iniciativa (entrevista a John Carpenter) e Melhor Crítica (A Árvore da Vida), do Ante-Cinema:

Sem ordem específica. Hoje, são estes. Amanhã, provavelmente seriam outros.

. OLDBOY — VELHO AMIGO
(2003, Oldboy, Chan-wook Park)

Marcante. É um filme que vi inúmeras vezes, e de longe um dos meus filmes favoritos. É daqueles filmes que me parece audiovisualmente perfeito, em que o realizador tem controlo completo sobre cada aspecto, da fotografia à banda-sonora, das interpretações ao argumento. Tem cenas que me estão marcadas a fogo na memória. Ainda me lembro muito bem do impacto que teve na altura. Demorei dias até conseguir colocar o queixo no sítio certo.

. CINEMA PARAÍSO
(1988, Nuovo Cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore)

O primeiro filme que alguma vez me fez chorar. Sou profundamente susceptível ao sentimento de nostalgia, e sendo este filme o que é, era inevitável que me tivesse marcado como marcou. Um filme sobre o amor pelo cinema, visto por mim numa idade em que esse amor começava a despertar verdadeiramente. Mesmo hoje em dia, comove-me profundamente.

. SAGA A GUERRA DAS ESTRELAS
(1977, Star Wars, George Lucas, 1980, Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back, Irvin Kershner, 1983, Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi, Richard Marquand)

Tinha de aqui estar, claro. A saga da minha infância, que cresci a ver com o meu pai, e que ainda hoje povoa por completo a minha imaginação. Para mim, talvez a grande saga de aventuras do cinema. Ainda sorrio como uma criança de sete anos quando o Darth Vader atira o Imperador para o abismo, e ainda fico entusiasmado quando o Luke destrói a Estrela da Morte. São filmes que ficarão comigo para o resto da vida. Apesar de o Lucas não estar muito a favor disso, mas isso já é outra história.

. OS SETE SAMURAIS
(1954, Shichinin no samurai, Akira Kurosawa)

O meu filme de acção predilecto. Vê-lo no cinema, na primeira vez que fui à Cinemateca, foi uma experiência que nunca hei-de esquecer. É daqueles que estaria sempre nesta lista, em qualquer dia da semana.

. AURORA
(1927, Sunrise: A Song of Two Humans, F.W. Murnau)

Oh Deus, onde é que eu começo com este? Mais uma vez, é um filme perfeito, sem falhas, tão honesto e simples quanto revelador de uma mestria exemplar por parte do Murnau, como contador de histórias. Passei anos a querer vê-lo, e só o fiz há cerca de três anos, quando um grande amigo meu me deu o DVD. Fiquei num misto de encanto e lágrimas, e creio que tem verdadeiramente alguns dos momentos mais memoráveis que alguma vez verei num filme. Demasiado belo.

. OS QUATROCENTOS GOLPES
(1959, Les Quatre Cents Coups, François Truffaut)

Repito o que disse em relação ao SUNRISE: demasiado belo. É tão simples quanto isso.

. ANNIE HALL
(1977, Annie Hall, Woody Allen)

Melhor argumento de sempre? O meu favorito do Allen, e um filme que me parece rigorosamente genial desde o primeiro ao último segundo. Literalmente, do primeiro ao último. Ainda o revejo imensas vezes.

. A VIAGEM DE CHIHIRO
(2001, Sen to Chihiro no kamikakushi, Hayao Miyazaki)

Era entre este e o CASTLE IN THE SKY... e este ganhou, porque foi o primeiro. Foi este o filme que me fez apaixonar pelo seu cinema, e que teve o impacto imediato de começar a idolatrar o homem. Ainda hoje em dia fico com lágrimas nos olhos quando o vejo, e descubro facilmente novos pormenores que fazem com que adore o filme ainda mais.

. THE FOUNTAIN — O ÚLTIMO CAPÍTULO
(2006, The Fountain, Darren Aronofsky)

Tinha de aqui estar. Perfeição audiovisual, que tem no seu cerne um coração do tamanho do mundo. Isto é, afinal, uma história de amor. Um dos poucos filmes que me arrebataram verdadeiramente, em todos os aspectos. Põe-me lágrimas nos olhos enquanto me deslumbra os sentidos.

. O MUNDO A SEUS PÉS
(1941, Citizen Kane, Orson Welles)

O meu filme favorito, ponto. Tenho um fascínio absoluto por cada plano, cada linha de diálogo, e acima de tudo pelo homem que é Charles Foster Kane. A personagem bigger than life por excelência, para mim a representação perfeita do quão impossível é, e sempre será, compreender verdadeiramente alguém. Fascina-me verdadeiramente.

--//--

Obrigado, Gonçalo, pela tua participação!

Agenda Cinematográfica

2011-12-12T17:05:00.000-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

O TIO BOONMEE QUE SE LEMBRA DAS SUAS VIDAS PASSADAS (2010), de Apichatpong Weerasethakul

Insuficiente renal agudo, o Tio Boonmee decide passar os seus últimos dias no campo, rodeado das pessoas que ama. Surpreendentemente, o espírito da sua falecida mulher aparece para tomar conta dele, e o seu filho há muito desaparecido regressa num corpo não humano.

Procurando razões para a sua doença, Boonmee atravessa a floresta, acompanhado pelos familiares, até uma caverna no topo da montanha: o local do seu nascimento na sua primeira vida.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Críticas da Semana

2011-12-11T23:00:00.001-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN
. FLEURETTE
. A PELE ONDE EU VIVO

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. WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN (2011), de Lynne Ramsay

Eva (Tilda Swinton), mãe do rapaz adolescente (Ezra Miller) responsável por uma série de homicídos num liceu, procura lidar com os remorsos e sentimentos de culpa pelas acções do filho.

O vermelho-sangue, esse rubor que em Cinema parece sempre clamar outras sensações que não as imediatamente patenteadas pela imagem, abunda no seu esquema cromático, mantendo-nos em sobressalto contínuo durante as quase duas horas de um dos filmes, a nível visual e temático, mais perturbadores do ano. Enunciando ideias como propensão genética ou responsabilidade maternal para a formação psíquica de um homicida em massa, Ramsay (que já não filmava desde 2002) constrói uma obra-prima na desconstrução da linearidade temporal do argumento — a capacidade do espectador apreender a cronologia de vários flashbacks é testada ao limite — e na oscilação, sempre periclitante e arriscada, entre o realismo puro e a fuga para a ilusão.

A contribuir, temos uma Tilda Swinton no auge das suas faculdades representativas e o surgimento de Ezra Miller, autêntica "bomba-relógio" de inquietação e malefício humano. É pena que só estreie em Fevereiro no nosso país — está aqui um dos títulos obrigatórios de 2011.

. FLEURETTE (2002), de Sérgio Tréfaut

Sérgio Tréfaut procura compreender o passado atribulado da mãe e Fleurette, aos 79 anos, ainda coloca obstáculos a qualquer inquérito sobre o seu passado. Mas vai ao longo do filme, pouco a pouco, desvendando acontecimentos secretos e revelando uma outra vida.

Eis uma obra de difícil análise, a começar logo pela sua catalogação. Algures entre o documentário autobiográfico e um original retrato de época, Tréfaut exibe pormenores íntimos e quase confrangedores não só da sua vida privada, como também dos que lhe são próximos, com uma franqueza e candura que desarmam qualquer possibilidade de aferir este trabalho negativamente.

Contudo, e apesar da boa experiência que proporciona, FLEURETTE (o filme) não transmite, cinematograficamente, grandes novidades sobre o género "fascinante história de vida real" através do exemplo de Fleurette (mãe do realizador), saldando-se num produto final mediano.

. A PELE ONDE EU VIVO (2011), de Pedro Almodóvar

Durante anos, o Dr. Robert Ledgard (Antonio Banderas), eminente cirurgião plástico, interessa-se pela criação de uma nova pele que seria capaz de garantir a sobrevivência da sua esposa, queimada num acidente de automóvel. Mas para além de anos de estudo e experimentação, Robert necessita de uma cobaia humana e a total ausência de escrúpulos.

Inesperada exploração de Almodóvar pelo sub-género do body horror — embora aqui seja mais body do que horror, nomeadamente com a impressionante presença física de Elena Anaya, numa das melhores interpretações do ano —, revela no cineasta espanhol a existência de pulsões criativas que não lhe víamos desde ATA-ME! (1990) ou EM CARNE VIVA (1997) e um potencial único para coadunar melodrama com as mais puras perversidades humanas num produto de óbvio apelo comercial.

Ostentando um cada vez maior perfeccionismo técnico (sobretudo, na fotografia assinada por José Luis Alcaine, tão estéril quanto o bloco operatório do protagonista de A PELE ONDE EU VIVO mas nunca sórdida) e com a cativante banda sonora de Alberto Iglesias (um dos seus mais fiéis e sempre assertivos colaboradores), Almodóvar divaga, todavia, por vários caminhos estéticos e narrativos numa tentativa semi-falhada de ensemble piece e, não obstante o principal plot point do filme ser intrinsecamente Almodóvariano, raramente detectamos o lado humanista do realizador. E o argumento de A PELE ONDE EU VIVO poderia sujeitar-se, de forma natural, a uma abordagem desse género. Recomenda-se, no entanto, a sua visualização.

O Fim da Película: O Fim da Cinefilia?

2011-12-09T18:55:00.000-01:00

«One must save everything and buy everything. Never assume you know what's of value.» Henri Langlois, fundador da Cinemateca Francesa.

No passado mês de Novembro, o IHS Screen Digest Cinema Intelligence Service publicou um extenso estudo com uma única e principal conclusão: a projecção de cinema em película render-se-à, irremediável e definitivamente, aos formatos digitais em 2015.

De acordo com a mesma fonte, o principal "responsável" por esta alteração foi AVATAR, de James Cameron, cujo tremendo sucesso comercial, aquando da sua estreia em 2009, acelerou o processo de transição para a projecção digital. Já no próximo ano, estima-se que o número de salas apetrechadas dessa tecnologia ultrapasse as de projecção em 35mm, até ao seu domínio absoluto em 2015, relegando a película para um formato de quase nicho de mercado (isto é, reservada a instituições museológicas e exibidores privados):

De entre as inúmeras dúvidas e consequências que advirão desta "revolução tecnológica", é impossível não encontrar mais vantagens do que fragilidades: redução de custos na produção, transporte e recursos humanos para manuseamento de filmes em 35mm, progressivo incremento na qualidade de imagem e som das projecções e, para estúdios e exibidores, perspectivas de maiores receitas de bilheteiras geradas a partir de títulos em 3D. Por outras palavras, e numa época em que a rentabilidade financeira determina todas as decisões inerentes a qualquer sector de actividade, o digital assume-se como opção privilegiada.

Contudo, numa análise atenta às especificidades técnicas da projecção digital, outras sombras de especulação, parcamente abordadas pelos media, formam-se no que diz respeito à fiabilidade económica e logística do formato, a maioria das quais semelhantes e derivadas dos mesmos moldes que regem o mercado da informática. Apontam-se, de seguida, apenas algumas das contrariedades já salientadas, por projeccionistas e proprietários de sala de exibição¹, relativamente aos "prodígios" da exibição digital:

multiplicação de fabricantes de projectores digitais, dos quais alguns exigem agressivos contratos de exclusividade com as redes de distribuição comercial;

existência de dois formatos de compressão de imagem [2K (resolução de imagem de 2048 por 1080 pixels) e 4K (4096 por 2160 pixels)] e, hoje em dia, instalam-se projectores incompatíveis com compressão a 2K;

acelerada obsolescência e/ou descontinuação de fabrico dos equipamentos de projectores digitais, implicando elevados custos de actualização e novas aquisições por parte dos exibidores;

para o espectador, a ameaça de projecções mal configuradas no que se refere a luminosidade e cor, caso não seja efectuada a calibragem necessária durante o processo de instalação do equipamento... algo que nem sempre é feito: por exemplo, em França, calcula-se que 80% das salas não cumpre este requisito.

Mas o principal objectivo do presente texto não é a elencagem dos defeitos inerentes à projecção em digital. No cenário actual, a forma como se assiste a um filme constituirá a menor das preocupações para um cinéfilo. A verdadeira apreensão reside nos efeitos do predomínio do cinema digital relativamente à preservação da actual produção digital cinematográfica para as gerações futuras.

Segundo o referido estudo do IHS — que, em nenhum parágrafo, aborda a questão da preservação cinematográfica —, e juntamente com a padronização do digital enquanto meio privilegiado de produção cinematográfica, a procura de cópias em 35mm para exibição sofrerá, já no próximo ano, drástica redução. Tal facto conduzirá, obrigatoriamente, a uma menor necessidade de fabrico de película em celulose e, talvez, à adopção de técnicas de armazenamento informático do património audiovisual recente. Actualmente, essa migração tecnológica encontra-se, e citando François Ede (restaurador da Cinemateca Francesa), num «buraco negro digital».

The Digital Dilemma², documento elaborado pelo Conselho de Ciência e Tecnologia da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas dos EUA que recolheu os pareceres de arquivistas, técnicos e responsáveis pela preservação de imagens em movimento norte-americanos, concluía, já em 2007 (data da sua divulgação) que «a acentuada aceleração no uso de sistemas digitais não estava sendo acompanhada pelo planeamento adequado, ou mesmo em alguns casos por um entendimento completo do impacto potencial da revolução digital»³ na conservação de património cinematográfico e que «uma mudança para o digital, ainda que seja totalmente consciente e comprometida, não garante o acesso a conteúdos cinematográficos a longo prazo»⁴.

Ao longo das suas 86 páginas, são mencionados os múltiplos problemas que o trabalho de preservação enfrenta nos tempos vindouros devido à completa adopção, pela indústria, de formatos digitais de produção e exibição cinematográfica. Dos tecnicamente complexos aos inteiramente dependentes da "competência" humana, os itens abaixo salientados ainda não encontraram, quatro anos após a redacção de The Digital Dillema, resolução iminente:

inexistência, a curto ou longo prazo, de concepção de software que armazene um objecto digital por várias décadas, invulnerável a elementos naturais e a campos electromagnéticos, livre de sofrer erros de processamento ou de comunicação e sem o risco de se tornar, em pouco tempo, tecnologicamente obsoleto;

a preservação digital sujeita-se a limitações e práticas comerciais ambíguas, tais como a incapacidade de garantir espaço de armazenamento ou características de durabilidade inferiores às anunciadas pelos fabricantes;

a decisão do que deve ou não ser armazenado poderá ficar a cargo dos próprios estúdios, em detrimento da preservação total de materiais (conforme defendido por cinematecas e fundações museológicas de imagens em movimento);

ameaças económicas (perda de financiamento de sistemas de preservação digital, os quais ainda requerem manutenção, substituição, mão-de-obra e energia);

ameaças técnicas (falhas comuns na integridade de dados, vulnerabilidade a vírus informáticos, armazenamento num único lugar, obsolescência, compressão inadequada de ficheiros, extravio de passwords);

ameaças humanas (erros do operador, acções mal-intencionadas, possível facilitação de pirataria informática).

E os custos inerentes à preservação digital revelam-se substancialmente superiores quando comparados com os da conservação em película (dados relativos a 2007):

⁵

Toda esta "aglomeração" de dados bibliográficos e económicos parecem reduzir a importância e magia associadas à experiência de ver Cinema tal como pretendido desde a sua invenção em 1895. No entanto, os factos aparentam querer corroborar essa realidade, tendo em conta que a maioria dos estúdios já não procede à cópia de novos títulos, filmados com equipamento digital, em película e, inclusive, existe a ameaça de essas mesmas corporações "blindarem" os seus acervos à exibição em 35mm.

Mas mais do que "como ver um filme", a cinefilia também passa por ansiar que um título, independentemente do modo como foi produzido (35mm, 16mm, digital, Super 8, etc.), seja competente e responsavelmente preservado. Nesse âmbito, e por mais DVDs, Blu-Rays e torrents (formatos com menor "esperança de vida" do que se poderia supor) que existam, não há dúvidas que a cópia física é, e será por muito tempo, a opção mais fiável para esse fim.

Se, como eu, forem saudosistas da película, sempre podem assinar esta petição on-line iniciada pelo New Beverly Cinema, em Los Angeles, com o intuito de impedir o fim da distribuição de filmes em 35mm. Ou esperar que certos lobbys, como os de Steven Spielberg ou de Quentin Tarantino, promova uma coexistência ideal entre o analógico e o digital:

Notas:
¹ Cahiers du Cinèma, n.º 672, Bientôt sur vos écrans, pp. 9 a 12.

² a Cinemateca Brasileira disponibiliza, mediante registo, uma versão traduzida deste estudo.

³ The Digital Dilemma, versão portuguesa, p. 8.

⁴ The Digital Dilemma, versão portuguesa, p. 9.

⁵ The Digital Dilemma, versão portuguesa, p. 44.

Agenda Cinematográfica

2011-12-09T15:00:00.000-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

FLEURETTE (2002), de Sérgio Tréfaut

Será que conhecemos as pessoas que nos são próximas? Será que as queremos conhecer?
E elas, quererão que as cheguemos a conhecer? O filho procura compreender o passado atribulado da mãe e Fleurette aos 79 anos ainda coloca obstáculos a qualquer inquérito sobre o seu passado. Mas vai ao longo do filme, pouco a pouco, desvendando acontecimentos secretos e revelando uma outra vida.

É um filme de difícil delimitação em termos de género: formalmente um documentário autobiográfico, em que o realizador interroga os pais e o irmão, em complexa estratégia de auto-descoberta, acaba por passar as fronteiras da ficção, lançando um belíssimo olhar sobre uma história de família. Porque se atravessa grande parte do séc. XX, da França dos anos 40, com fragmentos de história de amor e desamor, de colaboracionismo e neutralidade, ao Portugal da Revolução de Abril, é também a inscrição de uma narrativa comovida e terna sobre as contradições da estrutura familiar, no quadro mais vasto da história recente.

[Com a presença do realizador.]

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Hollywood Buzz #149

2011-12-09T14:27:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre YOUNG ADULT, de Jason Reitman:

«Patton Oswalt is, in a way, the key to the film's success. Theron is flawless at playing a cringe-inducing monster and Wilson touching as a nice guy who hates to offend her, but the audience needs a point of entry, a character we can identify with, and Oswalt's Matt is human, realistic, sardonic and self-deprecating. He speaks truth to Mavis.»
Roger Ebert, Chicago Sun-Times.

«Shorter than a bad blind date and as sour as a vinegar Popsicle, YOUNG ADULT shrouds its brilliant, brave and breathtakingly cynical heart in the superficial blandness of commercial comedy.»
A.O. Scott, The New York Times.

«Their scenes together are the film's best, with Theron and Oswalt, who have very different tempi and temperatures as performers, parrying and thrusting with great expertise.»
Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

«YOUNG ADULT bumps along with nasty swerves, middle finger proudly in the air, toward an ending blessedly free of anything warm, fuzzy, or optimistic. Now that's adult entertainment.»
Lisa Schwarzbaum, Entertainment Weekly.

«With self destruction as destiny, Reitman has made the equivalent of a Roland Emmerich disaster movie writ small, an apocalyptic scenario internalized by a single person.»
Eric Kohn, indieWIRE.

The New York Times Magazine

2011-12-08T19:15:00.004-01:00

Treze dos actores mais mediáticos e aclamados de 2011 protagonizam uma galeria de vídeos, registada por Alex Prager para a The New York Times Magazine, dedicada aos principais ícones cinematográficos de "vilanagem".

Do maléfico boneco de madeira de Gary Oldman, passando pela enfermeira demente encarnada por Viola Davis, até à personificação da cobiça assumida por Michael Shannon, este já é uma das grandes retrospectivas sobre a Sétima Arte produzida este ano.

Inevitavelmente, o Keyzer Soze partilha o seu vídeo favorito. A saber, esta imagem de sociopatia, claramente inspirada em Alex DeLarge, interpretada por Rooney Mara, actriz cujo talento será "julgado", brevemente, em THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO, de David Fincher.

Anime Alternativo

2011-12-07T21:25:00.000-01:00

Quando nos referimos a animação japonesa, os primeiros nomes que, habitualmente, invocamos para a descrever passam por Osamu Tezuka, o Studio Ghibli, o cyberpunk de AKIRA (1988, Katsuhiro Otomo) ou GHOST IN THE SHELL (1995, Mamoru Oshii), Hayao Miyazaki e produções televisivas como DRAGON BALL.

Contudo, e sem menosprezo para os exemplos supracitados, há alguns anos que se assiste à ascensão de um movimento independente de animadores nipónicos, desassociados dos principais estúdios e que revelam uma faceta (para muitos) desconhecida da anime.

Destacam-se, agora, os principais trabalhos de um fenómeno que poderá dar cartas num futuro bem próximo.

Título: Anima
Realizador: Kazuhiro Hotchi

Uma demonstração das emoções humanas através do movimento físico:

Título: Ryoma Sakamoto
Realizador: Kazuhiro Hotchi

Os episódios mais importantes na vida de Ryoma Sakamoto, nome fundamental para o impulso tecnológico do Japão:

Título: Day of Nose
Realizador: Kei Oyama

Absurdo e metafórico, é uma interessante visão sobre o salaryman — anónimo e descartável por natureza:

Título: JAM
Realizador: Mirai Mizue

Uma colorida e hipnótica miscelânea de imagem e som:

Título: Pika Pika
Realizador: Tochka Collective

Usando uma técnica conhecida como light painting, animação e imagem real fundem-se de modo indelével e fascinante:

Título: The Evening Traveling
Realizador: Akino Kondoh

Poética ilustração visual de uma canção tradicional japonesa:

Título: Mount Head
Realizador: Koji Yamamura

Peculiar e divertida observação sobre os costumes japoneses e como os mesmos se enraízam, literalmente, na cabeça/mente das pessoas:

[Fonte: Wildgrounds]

Add To Cart #25

2011-12-06T22:07:00.000-01:00

«The Lady Vanishes (1938) is the film that best exemplifies Alfred Hitchcock’s often-asserted desire to offer audiences not a slice of life but a slice of cake. Even Claude Chabrol and Eric Rohmer, in their pioneering study of Hitchcock, for once abandoned the search for hidden meanings and—though rating it "an excellent English film, an excellent Hitchcock film" — decided it was one that "requires little commentary," while François Truffaut declared that every time he tried to study the film’s trick shots and camera movements, he became too absorbed in the plot to notice them.»

#32

2011-12-05T18:20:00.002-01:00

... segundo as palavras da Inês Moreira Santos, colaboradora do Espalha-Factos:

Aqui ficam os 10 filmes da minha vida, sem qualquer ordem de preferência. A estes poderiam juntar-se tantos outros, mas tendo eu que (hoje) escolher apenas 10, são estas as minhas escolhas.

. ANNIE HALL
(1977, Annie Hall, Woody Allen)

Woody Allen no seu melhor. ANNIE HALL não podia deixar de entrar na minha lista por tudo o que é. Um dos meus filmes favoritos.

. O FABULOSO DESTINO DE AMÉLIE
(2001, Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, Jean-Pierre Jeunet)

Há tanto para dizer sobre este filme, mas "mágico" assenta-lhe bem e já diz muito. A vida da Amélie faz-nos sonhar.

. CINEMA PARAÍSO
(1988, Nuovo Cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore)

O retrato do amor pelo cinema (e não só). É daquelas escolhas onde não tive qualquer dúvida.

. O GABINETE DO DR. CALIGARI
(1920, Das Cabinet des Dr. Caligari, Robert Wiene)

O início do cinema de horror, o Expressionismo Alemão, um marco na história do cinema. Até de inspiração para Tim Burton criar EDWARD SCISSORHANDS ele serviu. Tudo boas razões para gostar tanto deste excelente filme mudo.

. PULP FICTION
(1994, Pulp Fiction, Quentin Tarantino)

Tudo neste filme é genial, as histórias, toda a linha que as liga, o elenco, o humor negro que caracteriza o realizador... Provavelmente o melhor filme de Tarantino.

. BLUE VALENTINE — SÓ TU E EU
(2010, Blue Valentine, Derek Cianfrance)

Pode ser uma das escolhas mais controversas desta lista, mas este é, definitivamente, um dos filmes da minha vida. Tão real e, por vezes, duro. Gosto mais dele a cada visualização, por muito blue que possa ser.

. JANELA INDISCRETA
(1954, Rear Window, Alfred Hitchcock)

Aqui poderia estar qualquer outro filme de Hitchcock. Escolhi este em especial por ter sido o primeiro que vi do mestre.

. LARANJA MECÂNICA
(1971, A Clockwork Orange, Stanley Kubrick)

Como estou sempre a dizer que gosto de loucos, nunca poderia de deixar de adorar este filme. E como também gosto de génios, Kubrick não poderia deixar de figurar aqui. Um dos meus favoritos de sempre.

. OS DIAS DA RÁDIO
(1987, Radio Days, Woody Allen)

E Woody Allen, mais uma vez. Recorrendo a MIDNIGHT IN PARIS, gostava de passar uns dias na era da rádio que sempre me fascinou. E RADIO DAYS transporta-nos tão bem para essa realidade.

. O GRANDE PEIXE
(2003, Big Fish, Tim Burton)

Mais uma vez a fantasia marca presença na minha lista. BIG FISH está cheio de beleza e magia, e é inevitável que nos deixemos encantar pelas histórias do protagonista.

--//--

Obrigado, Inês, pela tua participação!

Agenda Cinematográfica

2011-12-05T14:55:00.000-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

O CARRO FANTASMA (1921), de Victor Sjöström

É dia de ano novo. Três bêbados evocam uma lenda que diz que a última pessoa a morrer num ano, se foi um grande pecador, tornar-se-á durante o todo o ano seguinte o condutor do Carro da Morte, aquele que apanha as almas dos mortos... David Holm, um dos três bêbados, morre à última badalada da meia-noite...

Adaptação do romance de Selma Lagerlof, O CARRO FANTASMA é um dos filmes mais famosos (principalmente pelos efeitos especiais) de Victor Sjöström, incursão no fantástico sobre a lenda da "Carroça da Morte" e do seu condutor, o ser que morre na noite de São Silvestre.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Críticas da Semana

2011-12-04T20:15:00.001-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. BEATS, RHYMES & LIFE: THE TRAVELS OF A TRIBE CALLED QUEST
. O QUADRO NEGRO
. RAMPART
. OS IDOS DE MARÇO
. UMA SEPARAÇÃO

--//--

. BEATS, RHYMES & LIFE: THE TRAVELS OF A TRIBE CALLED QUEST (2011), de Michael Rapaport

Documentário íntimo sobre a carreira artística e dramas pessoais dos membros de uma das bandas hip-hop mais inovadoras e influentes da última década.

O contraste entre os dois "protagonistas" não poderia ser mais saliente: Q-Tip, que se adorna impecavelmente com lenço e chapéu, ostenta aquela imagem que todos imaginam de uma estrela musical em topo de carreira; quanto a Phife Dawg, com a barba por fazer e de saúde débil, é o retrato de um ser amargurado pela rivalidade e ausência de oportunidades profissionais no mundo do hip-hop.

Tal como é habitual nos filmes dedicados a artistas e/ou músicos, a obra criativa é sempre mais interessante que os seus percursos biográficos, e o realizador Michael Rapaport (actor nova-iorquino que aqui se estreia na realização) teria sido mais incisivo caso tivesse investido maior energia na análise e especificidades da música dos já lendários A Tribe Called Quest. Contudo, quando o filme concentra as suas atenções nos problemas de saúde de Dawg — a braços com um transplante de rim derivado de uma diabetes mal controlada —, o espectador é confrontado com as segundas intenções deste documentário: uma pesarosa reflexão acerca das vicissitudes do destino, que não poupa ninguém, nem mesmo aqueles que estiveram na eminência do sucesso mundial.

. O QUADRO NEGRO (2000), de Samira Makhmalbaf

Um grupo de professores, todos homens, atravessam os caminhos montanhosos de uma região remota do Curdistão Iraniano. Carregando grandes quadro negros às costas, viajam de aldeia em aldeia à procura de alunos.

Obra reveladora da inusitada maturidade de Samira Makhmalbaf (na época da sua produção, contava apenas vinte anos), equilibra um profundo teor humanista com o absurdo, quase surreal, extraído de situações verídicas para conceber um dos filmes mais cáusticos e simbólicos sobre a importância da educação para a formação do indivíduo.

O quadro negro do título surge como a representação de uma vocação docente literalmente transportada às costas que durante o filme, e nas suas especificidades social e geográfica, assume diversas encarnações: esperança de um futuro melhor, protecção física, dote matrimonial, estabilidade financeira, vida e morte. Filmado num estilo que se poderia apelidar de "cinema guerrilha" — uma expressão que ganha duplo sentido tendo em conta o quão difícil é fazer cinema no Irão —, o argumento ensaia também, e com sucesso, a observação do estado sócio-político pré-11 de Setembro do Médio Oriente, potenciando a reflexão e debate sobre estes e outros temas.

. RAMPART (2011), de Oren Moverman

Em 1999, no auge de uma gigantesca investigação a suspeitas de corrupção na LAPD, Dave Brown (Woody Harrelson), um veterano e irascível agente da polícia, procura assegurar, simultaneamente, o bom nome da sua profissão, o bem-estar da sua família e
a sua própria sobrevivência.

O talento de Woody Harrelson, capaz de exteriorizar impulsos internos de uma personagem em arrepiantes composições físicas como poucos, só é novidade para quem tem andado distraído nos últimos trinta anos. Paradoxalmente, e no caso agora em análise, esse potencial demonstra-se como o maior obstáculo à concretização de uma obra satisfatória: "vergando" o argumento em linhas narrativas paralelas, num interminável rol de personagens secundárias e dependendo do protagonista para o seu desenvolvimento, as suas intenções morais — mal definidas desde o início — não encontram espaço de manobra nem eco substancial no espectador.

Basicamente, é uma tentativa de refazer a velha história do polícia que trilha um percurso ambíguo entre a lei e o crime. Nesse âmbito, títulos como LIGAÇÕES SUJAS (1990, Mike Figgis), POLÍCIA SEM LEI (1992, Abel Ferrara) ou DIA DE TREINO (2001, Antoine Fuqua) são mais bem sucedidos. Todavia e em última instância, RAMPART, para além de óbvio paradigma das capacidades de Harrelson, augura Moverman (que assinou, em 2009, o interessante O MENSAGEIRO) como cineasta adequado para complexas histórias sobre as delicadas interacções da humanidade no seio de um quotidiano urbano e proporciona-nos um par de boas interpretações por parte de Ben Foster (inesquecível em apenas seis ou sete minutos de ecrã) e de Brie Larson, no papel da rebelde filha mais velha do protagonista.

. OS IDOS DE MARÇO (2011), de George Clooney

Um ambicioso assessor de imprensa (Ryan Gosling) vê-se envolvido num escândalo político que ameaça a possibilidade de ascensão à presidência do candidato (George Clooney) que representa.

Tímido exercício sobre a fealdade presente na moldagem de carreiras políticas e desumanização daqueles que vivem para e dos mecanismos inerentes a campanhas eleitorais, falha na pertinência de ambos os propósitos por não conseguir criar, em todo o seu esforço de sobriedade, uma genuína atmosfera intimidatória e que, em toda a linha underacting dos actores como suposta demonstração de realidade, transforma as personagens em meras figuras de retórica.

Sem a ironia de um BULWORTH — CANDIDATO EM PERIGO (1998, Warren Beatty), nem um modelo verídico de referência que suscite reflexão sobre os tempos modernos, tal como ESCÂNDALOS DO CANDIDATO (1998, Mike Nichols) fazia, e com a ausência da visceralidade propagandista de um Oliver Stone em topo de forma, Clooney dá-se por contente em escalonar uma série de vinhetas previsíveis — ainda vivemos numa época em que a figura da "estagiária" serve de metáfora a transgressão política? — que procura ser mais solene do que na realidade é. Restam aos seguros "bonecos" de Ryan Gosling e Philip Seymour Hoffman, e um conjunto de elementos técnicos estupendos no seu minimalismo, ornamentar um título indicado para o espectador neófito em cinema político.

. UMA SEPARAÇÃO (2011), de Asghar Farhadi

Quando Simin (Leila Hatami) decide pedir-lhe o divórcio, Nader (Peyman Moaadi) contrata uma jovem mulher (Sareh Bayat) para tomar conta do seu pai doente. Desconhecendo a gravidez da nova empregada, assim como o facto de ela trabalhar sem a permissão do marido, um confronto aparentemente inócuo entre os dois desencadeará uma teia de mentiras, manipulação e acusações.

Multipremiado no último Festival de Berlim (incluindo a atribuição inédita de um Leão de Prata para o elenco), UMA SEPARAÇÃO é um retrato sofisticado e emocional do Irão moderno de contornos e apelo evidentemente universais: a burocracia dos sistemas judiciais, o papel de cada género nos seios familiar e cultural, a luta social e o legado que cada indivíduo pretende transmitir aos seus descendentes são aqui esmiuçados, da primeira à última sequência, de forma complexa mas sem nunca resvalar para o dramatismo gratuito.

O principal "golpe de génio" do filme reside na opção de Asghar Farhadi em não criar empatia entre o espectador e as personagens: UMA SEPARAÇÃO é, em parte, um courtroom drama clássico, onde as alegações e motivações de todos os envolvidos são pertinentes, e a incerteza entre facto e suposição assombra cada movimento. Pelo meio, destaca-se a visão dos acontecimentos por parte da filha de onze anos do casal protagonista, a qual revelar-se-à, no devastador e irresoluto plano final do filme, como a principal figura desta história e símbolo da vontade humana (seja ela iraniana ou mundial) das gerações futuras. Obrigatório.

Jukebox #25

2011-12-03T18:05:00.001-01:00

(«Jukebox»: boa música e os videoclips mais criativos do ponto de vista cinematográfico).

. Lou Reed & Metallica, «The View»

Se dúvidas houvessem de que Lou Reed e Metallica poderiam ser sinónimo de harmonia musical, a objectiva de Darren Aronofsky atesta a pujança criada pela união de dois "monstros" do rock'n'roll mundial.

«The first time I heard 'The View' I was stunned. I had never heard anything like it. Half was all Lou. The other half all Metallica. It was a marriage that on the surface made no sense, but the fusion changed the way I thought about both artists and morphed into something completely fresh and new. I couldn't stop listening to it. Lou's crushing lyrics, and the band's incredible licks», ou os argumentos que inspiraram Aronofsky na concepção deste vídeo acabadinho de sair do "forno":

Hollywood Buzz #148

2011-12-02T11:50:00.001-01:00

O que se diz lá fora sobre SHAME, de Steve McQueen:

«This is a great act of filmmaking and acting. I don't believe I would be able to see it twice.»
Roger Ebert, Chicago Sun-Times.

«How can visual pleasure communicate existential misery? It is a real and interesting challenge, and if SHAME falls short of meeting it, the seriousness of its effort is hard to deny.»
A.O. Scott, The New York Times.

«A mesmerizing companion piece to his 2008 debut, HUNGER, this more approachable but equally uncompromising drama likewise fixes its gaze on the uses and abuses of the human body, as Michael Fassbender again strips himself down, in every way an actor can, for McQueen's rigorous but humane interrogation.»
Justin Chang, Variety.

«Driven by a brilliant, ferocious performance by Michael Fassbender, SHAME is a real walk on the wild side, a scorching look at a case of sexual addiction that's as all-encompassing as a craving for drugs.»
Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

«The biggest surprise in SHAME is how distanced, passionless, and merely skin-deep the director's attention is — how little he cares about the subject of his own movie.»
Lisa Schwarzbaum, Entertainment Weekly.

#31

2011-12-01T18:50:00.001-01:00

... segundo as palavras do Pedro Afonso, do blog Laxante Cultural:

Uma pequena introdução para explicar o critério de selecção destes filmes. Para mim, a criação de uma lista deste tipo serve apenas para definir o autor da escolha. Não são necessariamente os melhores filmes que eu já vi, mas são aqueles que mais me marcaram, por uma razão ou outra, no meu crescimento enquanto amante de cinema e posteriormente cinéfilo. Provavelmente estão aqui estes apenas porque os vi na altura certa, mas isso não invalida o facto de ser uma lista que acaba por definir a minha identidade enquanto cinéfilo, e, porque não, enquanto ser humano. Todos (excepto o último, já vão perceber porquê) são filmes a que volto de vez em quando, quanto mais não seja para reviver os momentos de descoberta de aspectos do cinema que todos eles me proporcionaram. Eis a lista...

1. REBECCA
(1940, Rebecca, Alfred Hitchcock)

Este filme (a par com CASSANDRA CROSSING de George P. Cosmatos, 1976) é a memória mais antiga que eu tenho de um momento em que um filme foi para mim a coisa mais importante do mundo. Saber como acabava, era tão urgente para mim como o ar que respirava, devorando cada cena do filme como uma pista, sentado na ponta da cadeira e deixando-me aprisionar pelo suspense. Deveria ter entre os 7 e os 9 anos quando os vi, nas sessões de cinema da RTP Açores, e nunca mais me esqueci das sensações que me despertaram. Está aqui este, porque dos dois é aquele que revi muitas vezes ao longo dos anos, descobrindo sempre novos pormenores que fundamentavam aquelas sensações. Quanto ao outro, hei-de voltar a ele um dia.

2. VEIO DO OUTRO MUNDO
(1982, The Thing, John Carpenter)

Foi o filme que (a par com AN AMERICAN WEREWOLF IN LONDON de John Landis, 1981) complementou aquelas sensações com outra ainda mais profunda: o medo. Foram ambos vistos poucos anos mais tarde nas mesmas circunstâncias, mas recordo como se fosse hoje o desafio de não querer perder nenhum segundo, lutando contra mim próprio para não desviar os olhos da televisão. Esse desafio, de me testar a ver cinema, é uma das bases da minha paixão por esta arte. Com o passar dos anos, o filme do Carpenter foi ganhando mais importância (principalmente com o aparecimento da versão de coleccionador em DVD, cujo making of é um dos melhores de sempre) por me aprofundar o interesse pelos aspectos técnicos por trás de um filme.

3. CASABLANCA
(1942, Casablanca, Michael Curtiz)

Não me lembro exactamente de quando o vi, mas este é um filme a que volto inúmeras vezes e que não perdeu a frescura da primeira. É um dos filmes que me definiu como um romântico, e cujo desfecho me despertou para o sacrifício que o amor implica. Além disso, é um filme perfeito em todos os aspectos, o que me dá um prazer enorme quando a ele volto.

4. A MOSCA
(1986, The Fly, David Cronenberg)

Foi o filme que me abriu os olhos para o conceito de autor. Vi-o no cinema com 13 ou 14 anos (nesta altura os filmes demoravam algum tempo a chegar a Angra do Heroísmo), e fez-me muita confusão ver um filme de terror que, mais do que me assustar, me inquietou. Querer perceber porque é que este era um filme de terror diferente de todos os que já tinha visto, foi o ponto de partida para uma viagem de descoberta que só acabará quando morrer. Além disso é uma estória de amor bizarra, em que o amor dá lugar à loucura. É sem dúvida o mais importante dos filmes desta lista para mim, e constará certamente de todas as listas que eu possa vir a fazer.

5. ASSALTO AO ARRANHA-CÉUS
(1988, Die Hard, John McTierman)

Só quem viu este filme no cinema, na altura da sua estreia, pode perceber a sua importância. Sendo um profundo conhecedor do cinema de acção da altura (de todos os Rambos e Comandos e afins), não estava preparado para a pedrada no charco que foi o ASSALTO AO ARRANHA-CÉUS. A cena da morte do Takagi abalou todos aqueles que procuravam divertimento num filme de acção e fez com que, no género, deixasse de haver personagens a salvo. Mais do que isso, este filme é perfeito em todos os aspectos, do argumento à realização, passando pelas interpretações ou pelos efeitos especiais. É um prazer absoluto e é um dos poucos filmes que comprei em todos os formatos (Vhs, DVD e Blu-ray) de cinema em casa por que já passou a minha vida de cinéfilo.

6. PSICO
(1960, Psycho, Alfred Hitchcock)

Outro filme que tenho em todos os formatos (em Vhs cheguei a comprar três edições diferentes). É, para mim, o mais perfeito dos filmes. Desde a concepção e as histórias de bastidores, às opções tomadas por Hitchcock no sentido de provocar reacções no espectador e que, passados mais 50 anos, continuam a resultar em cheio. É o poder da manipulação através da arte no seu estado mais puro, sem facilitismos e com enorme personalidade. Tudo no filme resulta e é brilhantemente executado, desde os facilmente reconhecíveis acordes musicais às imagens icónicas inesquecíveis.

7. MORRER EM LAS VEGAS
(1995, Leaving Las Vegas, Mike Figgis)

A par com LES NUITS FAUVRES (Cyril Collard, 1992), são histórias de amor reais e trágicas que têm como pano de fundo o desejo de auto destruição de uma das personagens principais. Mas se no filme de Collard esse desejo apenas precipitava uma inevitabilidade, no de Figgis nunca nos é dada uma razão válida que nos permita aceitá-lo. É a outra face da moeda para o sacrifício final de CASABLANCA, e um segundo despertar para a fatalidade que o amor encerra. Além disso, estes dois filmes são muito carnais e, talvez por isso, vertiginosos nas emoções.

8. SETE PECADOS MORTAIS
(1995, Se7en, David Fincher)

Um dos filmes mais maquiavélicos alguma vez escritos. O argumento de Andrew Kevin Walker, apesar de ser um dos mais inteligentes thrillers já filmados, não poupa ninguém. Todo o desenrolar da narrativa não nos prepara para um desfecho que, de tão horrendo, dificilmente esquecemos. O ritmo imposto por Fincher é milimetricamente perfeito (como sempre) e não há uma única falha a apontar na sua concepção e execução. É um daqueles filmes que me faz sentir muito pequenino enquanto artista em potência, e a que volto muitas vezes a ver se aprendo alguma coisa.

9. SACANAS SEM LEI
(2009, Inglorious Basterds, Quentin Tarantino)

Além de ser outro filme que eu considero perfeito, há um factor que faz com que apareça nesta lista: a irreverência e atrevimento com que, mesmo que apenas através da arte, seja colocada alguma justiça na história. Tarantino é provavelmente o meu realizador vivo predilecto, mas aqui excedeu todas as expectativas. Além do mais, apesar de ser um filme mosaico (muito ao seu estilo), no sentido de reunião de referências e de conciliação de diferentes estórias, nunca perde o seu objectivo e atrai-nos para um clímax que nunca suspeitámos ser possível. No fundo, naquele momento, numa sala de cinema, somos abruptamente atirados da realidade para a ficção enquanto Tarantino nos diz que quem manda aqui é ele. É preciso ter tomates.

10. CINEMA PARAÍSO
(1988, Nuovo Cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore)

Este é um filme que entra na lista dos 10 filmes da minha vida de uma forma peculiar. Não é um dos filmes que mais gosto (pelo menos para estar nos 10 primeiros), nem um dos que me influenciou enquanto cinéfilo. NUOVO CINEMA PARADISO está aqui porque é esta a minha história, sem tirar nem pôr. Toda a minha infância, juventude e adolescência foi passada num cinema, o Fanfarra Operária Gago Coutinho e Sacadura Cabral em Angra do Heroísmo, que o meu pai geria. Foi ele o meu Alfredo e o grande responsável pela minha paixão pelo cinema. Conheci todos aqueles personagens, com outros nomes e rostos, mas com as mesmas atitudes e comportamentos. Também eu recolhia e guardava pedaços de película espalhados pelo chão da sala de montagem. Também eu fugia para a sala de projecção tentando perceber como toda aquela magia funcionava. A dada altura, até por lá passou um projeccionista chamado Salvador, como na fase adolescente do protagonista. E tal como no filme, tudo isto teve um final pouco feliz. Há pouco mais de um ano, também eu voltei a Angra para o funeral do meu Alfredo, e também fui espreitar a Fanfarra. Aquela sala, da qual guardo as mais gratas e inesquecíveis memórias, está hoje a céu aberto depois de um incêndio que a consumiu há alguns anos. Resta a parte da frente do edifício e a parte traseira, do palco. Aquela sala à moda antiga, com plateia e balcão e imenso ar para respirar, onde me formei como cinéfilo e ser humano, existe apenas nas minhas gratas memórias. A paixão, essa ficou. E já de cá não sai.

--//--

Obrigado, Pedro, pela tua participação!

A "Polémica" do Mês #6

2011-11-30T15:00:00.001-01:00

Como a blogosfera cinéfila nacional divergiu, este mês, sobre NOS IDOS DE MARÇO, de George Clooney.

«Poucos são os inícios que captam logo a atenção e poucos são os finais tão penetrantes e, de certa forma, perturbantes que dão ao filme o que ele precisa: um estilo, um sentido, uma questão que não está de todo ali para ser respondida; a resposta já fora dada ao longo de todo o thriller. Para mim, este é um dos melhores filmes do ano (...)»
Marta Spínola Aguiar, Espalha-Factos.

«Apesar de algumas situações em que Clooney parece projectar o seu idealismo e activismo político na fachada do seu protagonista, transformando a cena em algo mais ou menos aplausível, ingénuo e irrealista, o argumento é especialmente incandescente nas cenas de maior tensão, absorvente e criminalmente divertido quando os políticos entram em confronto.»
Jorge Rodrigues, Dial P For Popcorn.

«Resta uma boa interpretação de Gosling e um ou outro achado, mas não chega para fazer um bom filme.»
O Projeccionista, A Última Sessão.

Add To Cart #24

2011-11-30T14:40:00.000-01:00

Curiosidade da Semana

2011-11-29T19:35:00.000-01:00

Martin Scorsese, um cineasta para todos os gostos e géneros (cliquem na imagem para melhor visualização):

[Fonte: Fast Company]

Interview Magazine

2011-11-29T18:38:00.000-01:00

Scarlett Johansson "does not give a damn" no que toca ao escândalo das suas fotos privadas, recolhidas via iPhone e transpostas para "domínio público" por intermédio de um pirata informático, e riposta com esta sugestiva sessão fotográfica, reveladora de uma faceta nunca antes explorada no seu óbvio sex-appeal para a edição de Dezembro da Interview:

[Fonte: Interview Magazine]

Agenda Cinematográfica

2011-11-28T15:35:00.000-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

CORRE EMANUEL, CORRE (2011), de Emanuel Macedo e Bruno Correia + 6=0 HOMEOSTÉTICA (2009), de Bruno de Almeida

CORRE EMANUEL, CORRE é uma viagem de aproximação ao universo criativo de Maria Emanuel Albergaria. Baseado / inspirado na exposição / instalação "Uma Casa na Floresta", este filme convida à fruição sensorial de uma geometria de sentimentos.

Co-Produção do 9500 Cineclube que recebeu o Prémio do Público no Festival de Cinema dos Açores — Faial Fimes Fest 2011.

--//--

Documentário sobre o movimento Homeostética, que surgiu em Lisboa nos anos 80 e foi constituído pelos artistas Fernando Brito, Ivo, Pedro Portugal, Pedro Proença, Manuel João Vieira e Xana.

Utilizando o humor como estratégia de demarcação crítica, a Homeostética manteve sempre uma posição marginal de fortes influências Dadaistas e desenvolveu uma intensa produção que resultou em exposições, textos, manifestos, filmes, concertos e outras performances colectivas. Discretos nas suas realizações e desprezando olimpicamente a sua própria glorificação, os homeostéticos perderam em visibilidade externa o que vieram a ganhar em modo de existência. Para eles o sentido da vida encontrava-se na criação artística e a criação artística, por sua vez, permitia-lhes inventar novas possibilidades de vida.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Ken Russell (1927 — 2011)

2011-11-28T10:13:00.000-01:00

«Everyone who has ever tried to get a film made is a con artist. All right, I'll amend that: everyone who has tried to set up a movie is a liar and a cheat, or at best, a big fat fibber.

Harry Saltzman, producer of the Bond films, The Battle of Britain, and the Harry Palmer trilogy, wanted me to make the third and last Harry Palmer. "I understand you make art films," he said at our first meeting. "I like art, my house is full of it. And I'd like to make an art film with you. Anything special you have in mind?"

"How about Tchaikovsky?" I ventured.

"Tchaikovsky's fine," he said. "In the meantime, if you wanna break into features, you've gotta start off with a sure thing. The Ipcress File and Funeral in Berlin were big box-office bonanzas and Billion Dollar Brain's gonna be the biggest yet. Get that one under your belt, get yourself a name and then we'll talk Tchaikovsky."

So I let him talk me into it.

Some time later, when I reminded him of his promise, he was deeply offended that I'd had the effrontery to bring it up. Billion Dollar Brain was not the box-office hit Harry had hoped for, so he was less than happy when I reminded him of his promise to let me make a film on Tchaikovsky.

I did get to make that film on Tchaikovsky, but Harry didn't produce it, United Artists did. They had financed and distributed Billion Dollar Brain, and talked me into directing Women in Love. Although the Harry Palmer movie had only made a respectable financial return, the D H Lawrence movie went through the roof, so understandably they were going to look with a friendly eye on any other movie I might propose. But at the mention of the word Tchaikovsky, their faces fell. "What's it about?" they asked mournfully.

"It's about a homosexual who falls in love with a nymphomaniac," I said. Without another word they gave me the money. It was the most successful pitch of my life.»

in Directing Film, por Ken Russell

Críticas da Semana

2011-11-27T19:50:00.001-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. A MORTE DE CARLOS GARDEL
. UIVO
. UM MÉTODO PERIGOSO
. MARTHA MARCY MAY MARLENE
. LE GAMIN AU VÉLO

--//--

. A MORTE DE CARLOS GARDEL (2011), de Solveig Nordlund

Nuno (Carlos Malvarez), um jovem toxicodependente em coma, está a morrer num hospital. Durante os dois dias em que se encontra entre a vida e a morte, cada um dos familiares evoca junto a ele uma teia de recordações do passado. O pai, Álvaro (Rui Morrison), apaixonado por tango, recusa-se a aceitar a morte de Nuno, deixando-se levar numa espiral de delírio e confundindo um imitador com o seu cantor de tango argentino favorito, já desaparecido: Carlos Gardel.

Se fosse necessária uma prova flagrante de que pedigree literário conceituado não resulta automaticamente em bom cinema, Solveig Nordlund acaba de a providenciar. Facilmente elegível ao estatuto de pior filme português do presente ano, não há "tango" que resista à inépcia aqui reunida, facto ainda mais surpreendente tendo em conta os talentos representativos e artísticos envolvidos. O drama central, exposto em três linhas narrativas temporalmente distintas, tolhido por personagens secundárias que nunca deveriam ter sobrevivido ao processo de adaptação do romance de Lobo Antunes e com o "fantasma" do cantor franco-argentino insondavelmente a assombrar os preceitos, esgota cedo as suas potencialidades — e o habitual registo deadpan de Rui Morrison, paradoxalmente, contribui para esse estado de coisas.

O espectador alcança todas estas confrangedoras conclusões quando se apercebe que um actor como Ruy de Carvalho foi escolhido apenas para dar vida ao "Carlos Gardel português", um conjunto de maneirismos simplistas que se expressa, maioritariamente, através de repetitivos playbacks de «Por una cabeza». Por outras palavras, esta é uma farsa encenada de modo impudente que nem busca desafiar-nos no seu artificialismo.

. UIVO (2010), de Jeffrey Friedman e Rob Epstein

São Francisco, 1957. Uma obra-prima é julgada e esse é um momento decisivo para a contra-cultura americana. O filme recria a vida de Allen Ginsberg (James Franco) e do poema Howl, explorando géneros e temas que ainda hoje são actuais: a definição de obscenidade, os limites da liberdade de expressão, a natureza da arte.

Rigoroso e criativo exemplo de crítica literária em cinema, contextualiza com imenso detalhe o polémico e revolucionário poema de Allen Ginsberg sem o "secar" por inteiro, dando, assim, azo à sua descoberta na íntegra. O mesmo acontece na recriação dos primeiros anos do movimento beatnik e, sobretudo, no protagonismo de James Franco, um irrepreensível trabalho de transformação psicológica que explica as razões da personalidade responsável pela concepção de um texto tão "inflamado".

A nível formal, a dupla de realizadores cria algo próximo de outros títulos irreverentes dedicados a fenómenos artísticos, como as visões musicais de Todd Haynes em VELVET GOLDMINE (1998) e I'M NOT THERE — NÃO ESTOU AÍ (2007) ou o biopic de Julian Schnabel sobre BASQUIAT (1996): as sequências animadas ilustrativas do poema são, a par do já referido Franco, momentos altos de um filme que no entanto arrasta-se, desnecessariamente e durante as sequências de tribunal, num manifesto em prol da genuína definição de liberdade de expressão. Fora isso, UIVO é merecedor de atenta visualização.

. UM MÉTODO PERIGOSO (2011), de David Cronenberg

Em vésperas da Primeira Guerra Mundial, Carl Jung (Michael Fassbender) decide concentrar-se nas peculiares enfermidades da bela mas extremamente reprimida Sabina Spielrein (Keira Knightley), acabando por se envolver romanticamente com ela. Entretanto, a sua visão da psicanálise entra em rota de colisão com a do próprio Sigmund Freud (Viggo Mortensen)...

Após décadas dedicadas à transformação, deformação e destruição do corpo, é quase lógico que David Cronenberg se dedique agora ao sítio onde toda aquela imagética de body horror sempre causou maior impressão: a mente humana. Analisando o triângulo amoroso-profissional entre Freud, Jung e Spielrein, o realizador canadiano proporciona-nos o filme mais atípico da sua carreira, um primoroso exercício de contenção a todos os níveis e capaz de reacender o debate sobre a validade do cinema arquitectado mais em palavras do que em imagens e desenvolvimento de situações. Na verdade, UM MÉTODO PERIGOSO é uma obra que, tal como a psique, não é imediatamente legível à superfície.

Num ritmo que emula a sociedade aristocrata reprimida de Viena e Zurique nos inícios do Século XX, o filme revela contemporaneidade na exploração de temas permanentes (estabilidade social, sucesso profissional, traumas pessoais) e vive do seu trio de protagonistas. Mortensen é impecável na composição de um Freud conservador e reticente em ceder a autoridade da ciência que fundou, Knightley equilibra cabalmente um retrato de profunda neurose e poderoso intelecto, mas é o Carl Jung de Fassbender que realmente se destaca, figura ansiosa em libertar-se dos "paternalismos" da psiquiatria mas dividido entre a razão científica e a paixão inconsciente. De visualização obrigatória, mesmo não existindo conhecimento de causa acerca dos factos explanados.

. MARTHA MARCY MAY MARLENE (2011), de Sean Durkin

Assombrada por dolorosas memórias e sofrendo de ansiedade crescente, Martha (Elizabeth Olsen) escapa ao controlo de uma seita abusiva e regressa a casa para viver com a irmã Lucy (Sarah Paulson). Contudo, os constantes pesadelos causados pela coerção psicológica daquele culto impedem uma vida normal e Martha acaba por cair num irremediável estado de pânico permanente.

Vencedor do prémio de Realização Dramática no último Festival de Sundance, é uma reflexão inteligente, ameaçadora e extremamente pungente sobre as formas como certos cultos — os contornos do representado em MARTHA MARCY MAY MARLENE nunca são devidamente esclarecidos, tornando a sua existência ainda mais inquietante — alimentam-se de vulnerabilidades psicológicas para inculcar convicções que tanto podem apelar ao nirvana budista como, logo de seguida, degradam a mente e o corpo dos seus seguidores.

Obra de terror minimalista, assinala a chegada de dois grandes talentos no panorama actual do cinema independente norte-americano: Durkin, no seu primeiro trabalho, demonstra um controlo incrível de mise-en-scène e a habilidade de perturbar o espectador através do que não se vê nem ouve; e Elizabeth Olsen (a irmã mais nova das erráticas gémeas Mary-Kate e Ashley) entrega-se a uma destemida performance, variando entre uma gama de emoções (ingénua, distante, traumatizada, inocente, perversa, feroz, etc.) sem aparente esforço, naquela que já é uma das maiores interpretações femininas do ano. Mesmo que o seu formalismo não encontre consenso alargado, MARTHA MARCY MAY MARLENE encontrará o culto que merece.

. LE GAMIN AU VÉLO (2011), de Jean-Pierre Dardenne e Luc Dardenne

Cyril (Thomas Doret), prestes a completar doze anos, tem apenas um plano: encontrar o pai que o abandonou num infantário. Conhece, por acaso, Samantha (Cécile de France), a gerente de um salão de cabeleireiros que o deixa ficar com ela nos fins-de-semana. Cyril é incapaz de reconhecer a empatia que Samantha sente por ele; contudo, só esse amor poderá acalmar a ira que cresce dentro do rapaz.

Devo confessar — para surpresa e subsequente revolta de alguns — que nunca morri de amores pelos filmes dos irmãos Dardenne. ROSETTA (1999) representou o auge do duo de cineastas que, desde então, foi explanando a mesma fórmula narrativa numa série de contos humanistas que, neste LE GAMIN AU VÉLO, revela-se rebuscada, demasiado esforçada e deliberada na perseguição do simples objectivo de nos querer fazer sentir algo.

Embora possua os seus momentos, e pontuado pela sólida interpretação do seu jovem protagonista — uma autêntica "concha" emocional na forma de um adolescente de onze anos —, o filme exibe o seu naturalismo em constante oposição à lógica mundana de acontecimentos e motivações (as razões porque Samantha decide adoptar Cyril não encontram justificação) e em direcção a uma série de desenlaces totalmente previsíveis. LE GAMIN AU VÉLO está longe de ser um mau filme, mas afigura-se como prenúncio inquietante dos limites criativos de Jean-Pierre e Luc Dardenne...

Hollywood Buzz #147

2011-11-25T09:00:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre MY WEEK WITH MARILYN, de Simon Curtis:

«The movie seems to be a fairly accurate re-creation of the making of a film at Pinewood Studios at that time. It hardly matters. What happens during the famous week hardly matters. What matters is the performance by Michelle Williams.»
Roger Ebert, Chicago Sun-Times.

«Ms. Williams tries her best, and sometimes that's almost enough.»
Manohla Dargis, The New York Times.

«To the extent that Michelle Williams' multilayered interpretation of Marilyn Monroe serves as its raison d'etre, MY WEEK WITH MARILYN succeeds stunningly.»
Ronnie Scheib, Variety.

«Williams gets us on intimate terms with one of Hollywood's most enduring and tragic icons. If much of what surrounds her in Simon Curtis' biographical drama is less nuanced, her work alone keeps the movie entertaining.»
David Rooney, The Hollywood Reporter.

«At moments hilarious and others touching, it's a sweet, slight affair, more pretty pageant than pithy biographical drama. Expect awards nominations to stack up for Williams and Branagh.»
Angie Errigo, Empire.

Curiosidade da Semana

2011-11-23T19:40:00.000-01:00

A orgânica do product placement cinematográfico:

[Fonte: Online MBA Advice]

#30

2011-11-22T17:30:00.002-01:00

... segundo as palavras da Andreia Mandim, blogger nomeada aos TCN Blog Awards pelo seu Cinema's Challenge:

. SANTA SANGRE
(1989, Santa sangre, Alejandro Jodorowsky)

Seria difícil não incluir este filme na minha lista. Quando o vi, pela primeira vez, não sabia absolutamente nada do mesmo. Resolvi vê-lo apenas porque não tinha mais nenhum filme na altura. Sem muito ânimo, confesso. Mas no fim do filme, considerei que foi uma das melhores 'surpresas' que poderia ter. Deparei-me com uma obra surrealista, embora absolutamente rica culturalmente e cinematograficamente. Algo que raramente se vê actualmente, mesmo que o filme seja do final dos anos 80 — 1989, mais concretamente, é necessário o frisar. Mas penso que a história, personagens, ambiente e toque do realizador foram os elementos-chave que tornaram possível que o incluísse como um dos meus preferidos. Há qualquer coisa de esotérico que passa o ecrã e entra em nós ao vê-lo.

. SLEEPERS — SENTIMENTO DE REVOLTA
(1996, Sleepers, Barry Levinson)

Lembro-me de o ver quando ainda era criança. A minha irmã consumia tudo o que tinha "o menino bonito de hollywood", na altura, Brad Pitt, e eu acabava também por assistir ao filmes. Mas o que conta para aqui para o caso é que foi um filme que me marcou. Na altura era ainda ingénua e gostei de perceber que realmente existem situações, pequenos momentos, em que podemos fazer a coisa errada, na hora errada e decidir parte importante do rumo da nossa vida. Pode parecer um pouco dramático e até absurdo, para alguns, mas é um filme que me diz muito e que ultrapassa o thriller dramático que hoje se vê para aí a pontapés. Não esquecendo o excelente cast que reúne grandes nomes — Brad Pitt, Robert De Niro, Kevin Bacon, etc...

. MYSTERIOUS SKIN
(2004, Mysterious Skin, Gregg Araki)

Revi-o há pouco tempo.É um filme com uma abordagem extremamente inteligente. É a mistura de dois assuntos completamente díspares: ficção científica e abusos sexuais. Num ambiente indie, com um actor que tem dado sinais da sua eficiência (Joseph Gordon-Levitt) e com um argumento fabuloso. Acho difícil não incluir como uma das melhores coisas que vi, pelo menos dentro do seu género.

. MANHATTAN
(1979, Manhattan, Woody Allen)

Respondo como se fosse o próprio: Life doesn't imitate art, it imitates bad television, por isso preciso da minha dose de arte e optei por ver algo de Woody. Podem o chamar pretensioso ou qualquer outra coisa, mas basicamente há sempre deixas brilhantes nos seus filmes e em MANHATTAN temos bastantes exemplos. Podia inventar mil explicações do porquê de ser um dos que mais gosto do Woody Allen, mas penso que talvez goste de vários, porém é o que tenho mais vivo com sinal verde na minha mente.

. SHINING
(1980, The Shining, Stanley Kubrick)

Se Kubrick não fosse realizador, provavelmente seria Deus. Vi uma vez esta piada em algum lugar que já não me recordo, mas acredito mesmo que esteja próximo, pelo menos nas suas capacidades/poderes que tinha para fazer cinema. Vi o SHINING umas 4 vezes na mesma semana, fiquei maravilhada com o filme. Tudo tinha um grau tão assustadoramente elevado de tensão e um certo terror que nunca chega a ser terror que foi impossível não cair de amores pelo filme.

. BOOGIE NIGHTS — JOGOS DE PRAZER
(1997, Boogie Nights, Paul Thomas Anderson)

Outro recente amor. Gostei de tudo neste filme. Actores, abordagem, argumento. E o realizador é talvez dos mais prendados da sua época. Sou sincera, não tinha noção disso. Até começar a ver o seu historial, percebi que já tinha visto muitos filmes que adorei e lhe pertenciam. Quanto ao BOOGIE NIGHTS penso que é um dos filmes mais marcantes para um amante de cinema, e mais não digo.

. CLUBE DE COMBATE
(1999, Fight Club, David Fincher)

É o filme que provavelmente mais vezes vi. Chamem comercial, digam o que quiserem, mas acho que não há uma única pessoa que não tenha gostado da película de Fincher. É tudo tão delicioso. Montagem, personagens, actores. Desenvolvi uma empatia com este filme, talvez por ter nascido na época que ele retrata, neste mundo consumista e com regras sociais que ninguém acredita, num mundo que já acabou antes de ter começado.

. VOANDO SOBRE UM NINHO DE CUCOS
(1975, One Flew Over the Cuckoo's Nest, Milos Forman)

É majestoso. Jack Nicholson faz, mais uma vez, um papel que é absolutamente brilhante. O filme em si tem uma trama que prende o espectador. E a ideia de ver um filme passado num manicómio é sempre tentadora. Afinal de médico e de louco todos temos um pouco — já dizia o outro.

. UMA QUESTÃO DE CONFIANÇA
(1990, Trust, Hal Hartley)

É uma obra quase clássica. Bastante calma, mas que conta muita coisa. Ficamos embebecidos com as personagens que vivem histórias dispares, porém é a confiança que os salva. Acho que foi mais uma surpresa quando o vi, não estava à espera de algo assim tão bom e recomendo vivamente.

. O HOMEM ELEFANTE
(1980, The Elephant Man, David Lynch)

É difícil não ficarmos sensibilizados quando vemos este filme. Entre o surrealismo quase extremo de Lynh, com o preto e branco e personagens inconcebíveis no mundo real, encontramos também um mundo onde os sentimentos são impulsionados, são quase provocados, mesmo que através de histórias pouco prováveis de acontecer no mundo real, pelo menos com um homem elefante. Mas que acontece com outro tipo de pessoas que têm diferenças, mas que têm algo mais para além do aspecto, tal como o Elephant Man.

Estes filmes escolhidos são apenas uma parcela dos que considero os filmes da minha vida. É uma lista diferente das que fiz para outros blogues, propositadamente. É uma forma de mostrar todos aqueles filmes que me foram marcando e ainda marcam, mas que não totalizam tudo o que vi e gostei de ver até hoje.

--//--

Obrigado, Andreia, pela tua participação!

Agenda Cinematográfica

2011-11-21T17:12:00.000-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

A MORTE DE CARLOS GARDEL (2011), de Solveig Nordlund

A história de Nuno, um jovem toxicodependente em coma, a morrer num hospital. Durante os dois dias em que se encontra entre a vida e a morte, cada um dos familiares evoca junto a ele uma teia de recordações do passado, através das quais percebemos o presente de Nuno. Álvaro e Cláudia, os pais divorciados e as suas novas relações disfuncionais, Graça, a tia médica que nunca terá filhos porque vive com Cristiana, todos eles se sentem culpados pelo estado de Nuno, pelos desalentos da vida, mas também pelos sonhos que criaram. O pai, Álvaro, apaixonado por tango, recusa-se a aceitar a morte de Nuno, deixando-se levar numa espiral de delírio e confundindo um imitador com o seu cantor de tango argentino favorito, já desaparecido: Carlos Gardel.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Agenda Cinematográfica

2011-11-18T14:05:00.000-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

DOC EUROPA | 27 PAÍSES — 27 FILMES
[Com a presença da programadora Dina Campos Lopes]

. Sexta-feira 18 de Novembro

19h00
- MUM, Países Baixos, 2009, 20’ | Adelheid Roosen
- 48, Portugal, 2009, 93’ | Susana de Sousa Dias

21h30
- THE CASTLE, Itália, 2011, 90’ | Massimo D´Anolfi, Martina Parenti
- 1000 VOICES, Reino Unido, 2009, 8’ | Tim Travers Hawkins

. Sábado 19 de Novembro

15h00
- USER'S MANUAL, Eslováquia, 2008, 17’ | Jana Minarikóva
- WITHIN LIMITS, Finlândia, 2009, 87’ | Annika Grof

17h00
- THE PASSION ACCORDING TO THE POLISH COMMUNITY OF PRUCHNICK, Áustria, 2009, 30’ | Andreas Horvath
- ANYTHING BUT BLACK, Lituânia, 2009, 20’ | Ausra Linkeviciute
- SILENCE IS GOLDEN, Bulgária, 2006, 20’ | Nikola Boshnakov
- BERLINSKAYA FUGA, Hungria, 2009, 14’ | Dénes Nagy

19h00
- ORAL HISTORY, Alemanha, 2009, 22’ | Volko Kamensky
- CALIDOSCOPI. 41, 2ºN – 1,8ºE, Espanha, 2010, 23’ | Imma Serra
- BUILD SOMETHING MODERN, Irlanda, 2011, 70´ | Nicky Gogan, Paul Rowley

21h30
- THE WORLD'S BEST HUBERT, Dinamarca, 2010, 23’ | Mette Mǽrsk
- MAESTRO, Estónia, 2009, 28’ | Manfred Vainokivi
- IN CASE OF LOSS OF PRESSURE, Bélgica, 2009, 46’ | Sarah Moon Howe

. Domingo 20 de Novembro

15h00
- EN DEHORS DE L'EAU, Luxemburgo, 2010, 15’ | Cyrus Neshvad
- ONE THOUSAND AND ONE NIGHTS, Suécia, 2010, 80’ | Fateme Gosheh, Isa Vandi

17h00
- DANCE OF ELVES, Letónia, 2009, 28’ | Aija Bley
- A PIECE OF SUMMER, Polónia, 2010, 24’ | Marta Minorowicz
- BIRDS WAY, Roménia, 2009, 56’ | Klara Trencsenyi, Vlad Naumescu

19h00
- MUNIRA, Eslovénia, 2011, 55´ | Rudi Uran
- DEYROUTH, França, 2010, 17’ | Chloè Mazlo
- HIDDEN IN THE SAND, Chipre, 2008, 37’ | Vasia Markides

21h30
- CENSOR FORTRESS, Malta, 2010, 28’ | Ramon Mizzi
- REVOLUTION GIRLS, República Checa, 2009, 57´ | Natasha Dudinski, Taťána Marková
- DECEMBER SEEDS, Grécia, 2009, 29’ | Panagiotis Karagiorgas

--//--

Entrada Livre — Filmes legendados em português

Hollywood Buzz #146

2011-11-18T13:40:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre THE DESCENDANTS, de Alexander Payne:

«What happens is that we get vested in the lives of these characters. That's rare in a lot of movies.»
Roger Ebert, Chicago Sun-Times.

«To call THE DESCENDANTS perfect would be a kind of insult, a betrayal of its commitment to, and celebration of, human imperfection. Its flaws are impossible to distinguish from its pleasures.»
Roger Ebert, The New York Times.

«THE DESCENDANTS is an ultra-polished picture in which every emotion we're supposed to feel has been cued up well in advance. There's nothing surprising or affecting about it. Not even Clooney, who works wonders with the occasional piece of dialogue, can save it.»
Stephanie Zacharek, Movieline.

«Another beautifully chiseled piece of filmmaking — sharp, funny, generous, and moving.»
Owen Gleiberman, Entertainment Weekly.

«THE DESCENDANTS constantly hovers on the brink of a dark comedy. But it never takes the big plug. By treading carefully, Payne has created his warmest, most earnest work, if not his best.»
Eric Kohn, indieWIRE.

TCN Blog Awards 2011

2011-11-15T14:00:00.001-01:00

O Keyzer Soze até pode ser esta figura sinistra...

... mas tal não impediu a blogosfera cinéfila nacional de recompensar (sim, para mim, o que abaixo descrevo já é encarado como prémio) o trabalho que o Keyzer desenvolveu, a partir do seu "bunker", no último ano.

Para a edição de 2011 dos TCN Blog Awards, promovido pelo Miguel Reis do Cinema Notebook, o Keyzer Soze's Place está nomeado em três categorias:

[* a iniciativa em causa é a criação de um grupo no Facebook denominado Bloggers Cinéfilos.]

Se consideram o Keyzer Soze's Place meritório de arrecadar alguma "estatueta", no evento que decorrerá a 7 de Janeiro próximo no Teatro Turim, em Lisboa, podem deixar o vosso voto aqui a partir das 20 horas de hoje (menos uma nos Açores)..

O desejo e empreendimento do Keyzer Soze em comparecer, independentemente de ter nomeações ou não, à cerimónia já eram grandes. Agora, não há volta a dar:

«Lisbon, see you soon!»

P.S. 1: obrigado a todos os que nomearam o Keyzer Soze's Place!

P.S. 2: não deixem de visitar o Cinema Notebook e consultar todos os nomeados.

Críticas da Semana

2011-11-13T20:23:00.000-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. GIALLO
. APOLLO 18
. TABLOID
. PLANETA DOS MACACOS: A ORIGEM

--//--

. GIALLO (2009), de Dario Argento

De férias em Itália, Linda (Emmanuelle Seigner) tem razões para acreditar que a irmã mais nova (Elsa Pataky) foi raptada. O inspector Enzo Avolfi (Adrien Brody) receia que a jovem seja a vítima mais recente de um sádico assassino apenas conhecido como Amarelo.

GIALLO só é giallo, no sentido restrito do género, pela capacidade que Argento ainda possui de conceber uma eficaz atmosfera de suspense e de encenar as mais surpreendentes sequências de gore. Seja por uma quebra de forma criativa ou pelos variados problemas de pré e pós-produção que afligiram o filme, certo é que estamos perante um dos títulos menores do cineasta: o desenvolvimento narrativo não é totalmente satisfatório (não me recordo de um clímax tão anti-climático em toda a carreira de Dario Argento) e, embora esse nunca tenha sido um tópico primordial na sua filmografia, dois protagonistas sem química relevante para que nos sintamos minimamente apreensivos quanto aos seus destinos.

Adrien Brody — aqui numa inusitada dupla função interpretativa — está longe de se revelar aquele "íman" de atracção para o espectador a que já nos habituou e Emmanuelle Seigner, aparentemente empenhada em acumular currículo com realizadores conceituados da actualidade (Jerzy Skolimowski é exemplo recente) do que em provar o seu talento, é mais plana que a mesa onde o serial killer de GIALLO comete os seus jogos de tortura. Para fãs do ícone do terror italiano apenas... e com algumas reservas.

. APOLLO 18 (2011), de Gonzalo López-Gallego

Décadas depois, a descoberta do material filmado pela tripulação da Apollo 18, uma missão oficialmente considerada como abandonada pela NASA, descortina as razões porque os EUA nunca mais regressaram à Lua.

Embora parcamente representado, o género do filme found fottage parece estar esgotado e incapaz de libertar-se do seu principal cânone, isto é, O PROJECTO BLAIR WITCH (1999). Nem mesmo quando transposto para a órbita do planeta e rumo ao nosso satélite natural, sob o pretexto de desenterrar uma teoria de conspiração acerca do programa espacial norte-americano...

Qualquer sugestão de realismo aqui presente é rapidamente estilhaçada pela ausência de "veracidade científica" — os astronautas caminham sobre o solo lunar com o mesmo à-vontade que na Terra... — ou pelos inúmeros hiatos que o próprio conceito do filme, a priori, ostenta. No entanto, existem méritos neste APOLLO 18, que alcança suster a imprevisibilidade e o nosso interesse através de uma direcção de montagem até certo ponto competente e, acima de tudo, por um óptimo trabalho de sonoplastia. A ver, sempre pela óptica do exercício de estilo.

. TABLOID (2010), de Errol Morris

Documentário sobre Joyce McKinney, que em 1977 foi acusada de raptar e atacar sexualmente Kirk Anderson, um jovem missionário mórmon, despoletando um longo circo mediático.

A realidade é sempre mais interessante do que a ficção, sobretudo contada por Errol Morris, um dos poucos documentaristas contemporâneos capazes de transformar uma rocambolesca mas verídica história de amor louco, rapto, traição religiosa, crime com relativo castigo e clonagem animal em algo de extraordinariamente fascinante e convidativo a posterior reflexão.

Descrevendo os factos num estilo sarcástico e dinâmico, TABLOID extrapola o mero relato dos acontecimentos e transforma-se num incisivo estudo sobre como a realidade pode ser exagerada, distorcida e sonegada conforme o interesse popular e, neste caso em particular, económico dos media. É nessa introspecção pela apetência humana por factos larger-than-life do nosso quotidiano que descobrimos os porquês da dedicação de Morris (mais conhecido por escrutinar a vida de arquitectos da Guerra Fria ou de carrascos do sistema penal norte-americano) a um tema aparentemente tão frívolo. Obrigatório.

. PLANETA DOS MACACOS: A ORIGEM (2011), de Rupert Wyatt

Durante as experiências levadas a cabo por Will Rodman (James Franco) para descobrir a cura para a doença de Alzheimer, um chimpanzé baptizado de César (Andy Serkis) recorre à sua inteligência geneticamente adquirida para conduzir uma revolta da sua espécie contra a Humanidade.

Nova incursão por uma história que já pode ser considerada como um filão rentável para Hollywood, surpreende pela tentativa (bem sucedida, por sinal) de guiar-se mais por ideias do que pelo estatuto de eye-candy de Verão, resistindo assim aos meros processos do remake — é palpável o trabalho sério que alguém empreendeu em recriar o cenário original (a queda do Homem face à ascensão do símio) e torná-la apelativa tanto para os familiarizados com a narrativa como para as plateias modernas que a observam pela primeira vez.

Obviamente, o verdadeiro protagonista do filme é o virtual César, capaz de "obliterar" os actores de carne e osso e mais um símbolo eloquente do que nos reserva o futuro a curto prazo do cinema de grande entretenimento. Mas se os efeitos visuais são dominantes, estes não dominam o filme: a narrativa flui naturalmente e até esmiúça alguma responsabilidade social (as associações de direitos do animal encontrarão aqui pano para mangas em prol do fim dos testes médicos em animais). Eis um excelente e raro modelo acabado de espectáculo contido. Só por isso, PLANETA DOS MACACOS: A ORIGEM merece a visualização.

Hollywood Buzz #145

2011-11-11T08:40:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre J. EDGAR, de Clint Eastwood:

«As a period biopic, J. EDGAR is masterful. Few films span seven decades this comfortably.»
Roger Ebert, Chicago Sun-Times.

«Mr. Eastwood doesn't just shift between Hoover's past and present, his intimate life and popular persona, he also puts them into dialectic play, showing repeatedly how each informed the other.»
Manohla Dargis, The New York Times.

«Any movie in which the longtime FBI honcho features as the central character must supply some insight into what made him tick, or suffer from the reality that the Bureau's exploits were far more interesting than the bureaucrat who ran it - a dilemma J. EDGAR never rises above.»
Peter Debruge, Variety.

«This surprising collaboration between director Clint Eastwood and MILK screenwriter Dustin Lance Black tackles its trickiest challenges with plausibility and good sense, while serving up a simmeringly caustic view of its controversial subject's behavior, public and private.»
Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

«J. EDGAR turns out to be one of the worst ideas anybody's ever had, a mendacious, muddled, sub-mediocre mess that turns some of the most explosive episodes of the 20th century into bad domestic melodrama and refuses to take any clear position on one of American history's most controversial figures.»
Andrew O'Hehir, Salon.com.

#29

2011-11-10T17:53:00.003-01:00

... segundo as palavras do Gabriel Martins, autor do blog Alternative Prison:

Os filmes estão pela ordem que eu os vi ao longo da vida. Se é uma lista de filmes da nossa vida faz-me sentido que a abranja toda.

. A GUERRA DAS ESTRELAS + O IMPÉRIO CONTRA-ATACA + O REGRESSO DE JEDI
(1977, Star Wars: Episode IV - A New Hope, George Lucas, 1980, Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back, Irvin Kershner, 1983, Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi, Richard Marquand)

É daqueles filmes que apaixona qualquer criança, Star Wars é um imaginário divertidíssimo, carregado de personagens memoráveis. Fez-me sonhar e continua a fazê-lo, e isso não dá para esquecer. Adoro os 3 filmes mas o do meio é a obra-prima.

. PULP FICTION
(1994, Pulp Fiction, Quentin Tarantino)

PULP FICTION é um fenómeno. Um filme que parecia não querer saber das regras, contava a história como bem lhe apetecia. É um filme com personalidade, estilo e claro um argumento do caraças.

. O FESTIM NU
(1991, Naked Lunch, David Cronenberg)

David Cronemberg está e possivelmente estará sempre no topo das minhas listas de realizadores ou filmes favoritos. Acho-o simplesmente formidável. Foi o segundo filme que vi dele e tal como já foi mencionado por outra pessoa, abriu- me uma porta para um outro mundo cinematográfico. Um filme que deambula entre a realidade e o delírio nunca deixando de nos captar a atenção.

. VELVET GOLDMINE
(1998, Velvet Goldmine, Todd Haynes)

Uma das minhas maiores paixões cinematográficas. Deu-me a conhecer Todd Haynes, Oscar Wilde, Iggy Pop e David Bowie (mesmo que este não directamente). É portanto uma explosão de cinema, música e literatura; de cores, sons e irreverência.

. VEIO DO OUTRO MUNDO
(1982, The Thing, John Carpenter)

Mais um filme que me prendeu logo nos primeiros instantes e até hoje nunca mais me largou. A atmosfera claustrofóbica é absolutamente deliciosa. Não nenhum sítio para fugir quando estamos na Antárctida e quando uma forma de vida alienígena tem a capacidade de copiar qualquer organismo vivo, em quem se pode confiar? O homem é tal como a frase na capa promove "The Warmest Place To Hide". John Carpenter no seu melhor.

. A CORDA
(1948, Rope, Alfred Hitchock)

É impossível escolher apenas um Hitchcock, no entanto, Rope aborda uma temática que muito me agrada, a do super-homem de Nietzsche. Não é à toa que Crime e Castigo é um dos meus livros favoritos. O filme tem também a particularidade de se apresentar como se fosse filmado num único plano.

. DISPONÍVEL PARA AMAR + 2046
(2000, Fa yeung nin wa, 2004, 2046, Wong Kar Wai)

Vou aproveitar-me da possibilidade de metermos sequelas para escolher estes dois. Não têm de seguir esta ordem, eu vi primeiro 2046 e os filmes são belíssimos e funcionam independentes um do outro. No entanto, a experiência é mais enriquecedora se virmos os dois. Isto porque a personagem de Tony Leung é uma pessoa diferente nos dois filmes, viveu, mudou. Os acontecimentos de um filme reflectem-se no outro. Duas odes ao amor como só Wong Kar Wai é capaz de fazer.

. A MÁSCARA
(1966, Persona, Ingmar Bergman)

Duas actrizes. Um monólogo. Persona é uma obra-prima que prova que para termos um grande filme só precisamos de uma grande ideia, uma grande visão. Um dos melhores filmes sobre a psique humana com um final absolutamente arrebatador.

. THE GENERAL
(1926, The General, Buster Keaton e Clyde Bruckman)

O filme é inspirado numa grande perseguição a uma locomotiva que decorreu em 1862 durante a guerra civil americana, quando um grupo de membros do Union Army, o exército do Norte, tomaram em sua posse o comboio "The General". Keaton, baseando-se nesta história, construiu uma das maiores comédias mudas do Cinema, é um daqueles imperdíveis.

. 2001: ODISSEIA NO ESPAÇO
(1968, 2001: A Space Odyssey, Stanley Kubrick)

O 2001 é um dos filmes mais completos e grandiosos que vi até hoje. Dividido em diferentes partes, todas elas interligadas mas completamente distintas, contribuem para que o filme oscile ao longo do tempo entre diversos géneros. Assim temos uma narrativa, por vezes carregada de tensão e suspense na parte sobre o HAL 9000 ou simplesmente a força das imagens num belíssimo bailado espacial. E não podemos esquecer que a elipse cinematográfica mais poderosa do Cinema se encontra aqui.

--//--

Obrigado, Gabriel, pela tua participação!

Add to Cart #23

2011-11-10T16:25:00.000-01:00

Un film de Almodóvar: whether appearing in his stylish opening credits or on the suggestive poster that invariably accompanies each of his films, this announcement triggers a range of expectations.

Sexy and subversive, colorful and controversial, passionate and provocative, Pedro Almodóvar’s world is unlike any other director's. Thanks to his remarkably cohesive and consistent œuvre, the Manchegan maverick has become a reliable brand, his name a byword for the visual opulence, experimentation and eroticism of post-Franco Spanish cinema.

Filhos de Um Deus Maior #68

2011-11-09T07:35:00.001-01:00

Quatro public service announcements, apropriadamente realizados por Darren Aronofsky (não fosse ele o autor de A VIDA NÃO É UM SONHO) para a Meth Project Foundation, com o propósito de sensibilizar os mais jovens sobre as consequências nefastas do consumo de metanfetaminas.

Ou como todas as campanhas deste género deveriam ser: brutais, incondicionais e totalmente revoltantes:

[Fonte: mediabistro]

Curiosidade da Semana

2011-11-08T22:00:00.001-01:00

God's Eye View: angle where the camera lens is perpendicular to the subject without any POV reference, which gives the viewer an omniscient viewpoint of the character and the surrounding space.

N.B.: para os melómanos, o tema que acompanha este vídeo é "Down Boy", dos Yeah Yeah Yeah.

#28

2011-11-08T18:30:00.002-01:00

... segundo as palavras do Nuno Barroso, do blog Delusion over Addiction:

1. TAXI DRIVER
(1976, Taxi Driver, Martin Scorsese)

Considero que a obra-prima de Martin Scorsese é este TAXI DRIVER. Somos transportados para Nova Iorque pela forma de como Scorsese capta todas as nuances da cidade que ele tanto adora. Creio que também nunca vi um filme que tão explorasse o background psicológico de uma personagem de uma maneira tão afincada como Travis Bickle é explorado. Aliado a isto temos ainda uma das (senão a maior) interpretações do Cinema com assinatura de Robert De Niro e uma banda sonora simplesmente deliciosa.

2. MULHOLLAND DRIVE
(2001, Mulholland Dr., David Lynch)

O que mais aprecio neste filme é a sua capacidade de nos deslumbrar sempre que o revisitamos. Misterioso e sedutor, MULHOLLAND DRIVE é a mais fantástica viagem ao profundo subconsciente e ao mundo dos sonhos.

3. O AMOR É UM LUGAR ESTRANHO
(2003, Lost in Translation, Sofia Coppola)

É um filme que consigo ver todos os dias. Tem uma atmosfera tão relaxante que a sua visualização torna-se algo terapêutica.

4. BONNIE E CLYDE
(1967, Bonnie and Clyde, Arthur Penn)

Interessante ver como um filme consegue constituir um marco tão significativo na história do cinema, alterando por completo a forma de como (neste caso) a violência era retratada no grande ecrã. BONNIE AND CLYDE é um desses filmes. Ainda me lembro vivamente da primeira vez que o vi e de ter ficado em êxtase com aquele final arrebatador.

5. CREPÚSCULO DOS DEUSES
(1950, Sunset Blvd., Billy Wilder)

Em termos de argumentos, Wilder é Rei. A nomeação deste SUNSET BLVD. prende-se um pouco com o facto de ter sido o primeiro filme a preto e branco que vi pro-activamente. Fiquei extremamente surpreendido pelo quão tenaz e intrigante foi!

6. A VIDA NÃO É UM SONHO
(2000, Requiem For a Dream, Darren Aronofsky)

Foi o filme que me fez olhar para o cinema com outros olhos. Potente e duro de se ver, o REQUIEM FOR A DREAM é bem capaz de ter sido o filme que mais me marcou. Fiquei sem palavras quando o vi, tamanho foi o soco que me deu. Apesar de o ter visto uma única vez por volta de 2004, são várias as cenas que ainda se mantêm vivas no meu pensamento e creio que isso é apenas um testamento ao verdadeiro poder do cinema.

7. ANTES DO ANOITECER
(2004, BEFORE SUNSET, Richard Linklater)

Juntamente com o BEFORE SUNRISE, este é o meu romance de eleição. Escolho o SUNSET, aqui, pelo facto de ser mais maduro que o seu antecessor. E aqui, a naturalidade é a palavra de ordem. Quer estejam a homenagear a Nina Simone ou a discutir os problemas sócio-políticos do Mundo, não consigo encontrar uma única falha neste filme. Simplesmente, enche-me o coração.

8. A JANELA INDISCRETA
(1954, Rear Window, Alfred Hitchcock)

Hitchcock é o mestre, e pouco mais há a acrescentar (também tenho em grande estima o VERTIGO, mas optei pelo REAR WINDOW). O desenvolvimento das personagens está no ponto, a tensão é palpável e o clímax é inesquecível. Love it to death.

9. THE END OF EVANGELION
(1997, Shin seiki Evangelion Gekijô-ban: Air/Magokoro wo, kimi ni, Hideaki Anno e Kazuya Tsurumaki)

A conclusão de uma das minhas séries preferidas. É um filme incrível e recomendo-o fortemente (contudo, a visualização da série é obrigatória antes de se partir para este THE END OF EVANGELION).

10. O SILÊNCIO DOS INOCENTES
(1991, The Silence of the Lambs, Jonathan Demme)

O meu thriller preferido. O thriller que mais vezes devo ter visto. É um daqueles filmes que sempre que passa na televisão, tenho de parar tudo o que estou a fazer para o ir ver. É claustrofóbico (se eu tivesse que eleger as "As 10 cenas da minha vida" - :P -, a da visão nocturna estaria entre elas, sem pensar duas vezes), brilhantemente executado e para além disso tem também duas interpretações magistrais por parte da Jodie Foster e do Anthony Hopkins. É um clássico!

--//--

Obrigado, Nuno, pela tua participação!

Add to Cart #22

2011-11-07T18:10:00.001-01:00

Agenda Cinematográfica

2011-11-07T16:40:00.001-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

. FANTASIA LUSITANA (2010), de João Canijo

FANTASIA LUSITANA é um documentário que explora a relação do povo português com os estrangeiros refugiados da II Guerra Mundial, a forma como a sua estadia no nosso país influenciou (ou não) o nosso olhar sobre a guerra, e uma procura pela herança cultural deixada (ou não) pela sua passagem.

Uma leitura interpelante da história portuguesa do século XX construída inteiramente a partir de imagens de arquivo e da leitura de testemunhos desses refugiados nas vozes de Hanna Schygulla, Rudiger Vogler e Christian Patey.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Críticas da Semana

2011-11-06T22:10:00.001-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. TARTUFO
. A DAMA DO LAGO
. BRUTALIDADE
. THE PHANTOM CARRIAGE

--//--

. TARTUFO (1925), de F.W. Murnau

Um jovem actor (André Mattoni) apresenta ao seu avô milionário (Hermann Picha) um filme sobre o impostor Tartüff (Emil Jannings), de modo a expor a hipocrisia dos planos fatais de uma empregada (Rosa Valetti) que pretende deitar as mãos à fortuna do seu velho patrão.

Exemplo modesto de Expressionismo Alemão, TARTUFO será um dos trabalhos menos conhecidos da filmografia de Murnau, mas revelador de um lado humanista do realizador que a maioria dos cinéfilos só detecta em AURORA (1927). Com essa menor predominância técnica, os valores da célebre peça de Molière sobre cobiça e hipocrisia, são imediatamente colocados em primeiro plano, por vezes de uma forma deliciosamente cómica — inclusivamente, com direito a quebra da chamada fourth wall.

A veia expressionista (iluminação, enquadramento e representação) de Murnau só se encontra na sequência nocturna em que a natureza ignóbil de Herr Tartüff é exposta, vilão irrepreensivelmente encarnado por Emil Jannings, numa perfeita combinação de humor e horror. Eis um sublime conto moral, sem pejo em lembrar a plateia, incluindo a contemporânea, de se acautelar perante hipócritas e manipuladores, pois eles, tal como a pobreza, estão sempre entre nós...

. A DAMA DO LAGO (1947), de Robert Montgomery

Uma editora (Audrey Totter) de uma revista contrata Philip Marlowe (Robert Montgomery) para descobrir o paradeiro da esposa do seu patrão. Rapidamente, o detective privado vê-se envolvido num caso de homicídio.

Curioso exercício de estilo noir, onde toda a história — com excepção de alguns interlúdios em que o próprio Marlowe partilha as suas suposições com o espectador — é contada através do ponto de vista do protagonista mas que, infelizmente, não se torna memorável após a sua visualização.

Esse tratamento subjectivo da "câmara enquanto actor" apenas pode ser considerado como parcialmente bem sucedido, revelando-se A DAMA DO LAGO como um título apropriado para aficionados do film noir clássico, para os mais atentos a truques técnicos (sobretudo, os cortes disfarçados em aparentes longos planos-sequência) e para observar o quão longe os criadores do género eram capazes de ir de forma a imprimir variedade e interesse a um argumento que, desde a sua premissa, poucos caminhos possuía para explorar.

. BRUTALIDADE (1947), de Jules Dassin

Numa penitenciária de alta segurança, o prisioneiro Joe Collins (Burt Lancaster) planeia uma revolta contra o Capitão Munsey (Hume Cronyn), um violento e implacável chefe prisional.

Esqueçam EU SOU UM EVADIDO (1932, Mervyn LeRoy), OS CONDENADOS DE SHAWSHANK (1994, Frank Darabont) ou O HOMEM DE ALCATRAZ (1962, John Frankenheimer); o melhor filme norte-americano sobre a vida de um encarcerado é este drama semi-desconhecido do grande público, absolutamente noir sem "requisitar os serviços" de um detective privado e mais interessado na dissecação de temas como poder social em detrimento da observação de justiça prisional ou da típica e heróica narrativa sobre uma fuga da prisão.

Com duas grandes interpretações de Burt Lancaster e, sobretudo, Hume Cronyn na caracterização de um guarda prisional sádico e sedento por poder, BRUTALIDADE é, também, produto do espírito norte-americano da era em que foi produzido, onde as feridas da Segunda Guerra Mundial ainda estavam em processo de catarse. Dassin não deixa de aludir ao conflito, tanto explícita como implicitamente, tornando-se inevitável a comparação entre a repressão carcereira e os métodos do Terceiro Reich. Destaque final para o extenso elenco feminino (Yvonne De Carlo, Ann Blyth, Ella Raines) que povoa as memórias em flashback dos reclusos da cela R-17.

. THE PHANTOM CARRIAGE (1921), de Victor Sjöström

É véspera de Ano Novo. Três homens evocam a lenda do destino de quem for o último pecador a morrer naquele ano: ser condutor da carruagem que recolhe a alma dos falecidos durante um ano inteiro. David Holm (Victor Sjöström), alcoólico e arruaceiro, morre quando soa a última badalada da meia-noite...

Ingmar Bergman afirmou, a certa altura, que este é «o filme de todos os filmes» e a obra mais inspiradora da sua carreira. A mesma impressão pode ser assumida pelo cinéfilo que se deparar com THE PHANTOM CARRIAGE, obra-prima de apelo universal e intemporal, intrinsecamente Dickensiana, que vagueia entre o drama moral e o terror sobrenatural e reveladora de uma proficuidade técnica quase hipnótica (a visão da "carruagem fantasma" é um portento no uso primitivo da dupla exposição em Cinema).

Mais do que um dos primeiros exemplos de terror cinematográfico, o filme de Sjöström é um importante argumento para a validade moral da Sétima Arte (e esta constatação reveste-se de tremendo significado nos dias que correm, onde o debate acerca da sua relevância actual para a educação dos públicos indica, quase sempre, o prenúncio de morte deste meio artístico). Aqui, a "carruagem fantasma" é o próprio Cinema, um veículo que nos pode entreter, assombrar ou deprimir, mas também instruir e aperfeiçoar. O filme exibe claramente a estilização da época em que foi produzido — a versão restaurada e editada pela Criterion, numa interessante decisão, deixou intactas as impiedosas marcas de degradação que o tempo aplica à película de nitrato —, mas a sua mensagem sobreviverá, sem dificuldades, ao decorrer dos anos.

Hollywood Buzz #144

2011-11-04T15:15:00.000-01:00

O que se diz lá fora sobre TOWER HEIST, de Brett Ratner:

«The movie is broad and clumsy, and the dialogue cannot be described as witty, but a kind of grandeur creeps into the screenplay by Ted Griffin and Jeff Nathanson.»
Roger Ebert, Chicago Sun-Times.

«TOWER HEIST could and should have been much more. Mr. Ratner goes for the safe bet and the easy score.»
A.O. Scott, The New York Times.

«During the heist itself, the suspense is palpable, if only because Christophe Beck's funky score blares its horns so insistently, one can't help but feel anxious. But the laughs don't follow.»
Peter Debruge, Variety.

«A smoothly engineered crowd pleaser.»
Todd McCarthy, The Hollywood Reporter.

«TOWER HEIST is the cinematic version of a Trump property: overblinged, eye-catching, and essentially tacky.»
Lisa Schwarzbaum, Entertainment Weekly.

#27

2011-11-03T18:40:00.000-01:00

... segundo as palavras da Sarah Queiroz, do blog Depois do Cinema:

1. MATRIX
(1999, The Matrix, Larry e Andy Wachowski)

My personal favourite, atinge a perfeição! A interessante e paradoxal narrativa, que envolve metafísica e a filosofia, juntamente com a tremenda e espectacular acção e efeitos visuais são, sem dúvida, dois elementos bastante apelativos. O facto de nos desafiar intelectualmente também constitui um dos motivos pelo qual eu idolatro este filme e é, verdadeiramente, o número 1 da minha lista.

2. O SENHOR DOS ANÉIS — A IRMANDADE DO ANEL
(2001, The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring, Peter Jackson)

LORD OF THE RINGS alcança o nível de excelência e nunca me canso de ver os filmes, é espectacular em todos os níveis. Peter Jackson criou das melhores sagas da história do cinema, muito obrigada Peter!

3. KILL BILL — A VINGANÇA
(2003, Kill Bill: Vol. 1, Quentin Tarantino)

My dear Quentin... Adoro-o! Todos os seus filmes são de génio, mas a história de Beatrix Kiddo consegue ser a minha favorita.

4. CÃES DANADOS
(1992, Reservoir Dogs, Quentin Tarantino)

Outra genialidade por Tarantino, filme este que iniciou a sua magnífica carreira enquanto realizador, e digo-vos: não poderia ter começado da melhor maneira! A narrativa não linear, as grandes actuações, um diálogo soberbo e inteligente, tendo depois uma banda sonora que complementa da melhor maneira fazem deste filme um clássico!

5. A RESSACA
(2009, The Hangover, Todd Phillips)

Não há filme que tenha conseguido a proeza de me fazer cair da cadeira de tanto rir sendo A RESSACA a excepção! Sinceramente, acho-o inagualável, e dificilmente outro filme de comédia tem o nível de qualidade que este tem.

6. RESIDENT EVIL
(2002, Resident Evil, Paul W.S. Anderson)

Automaticamente constou da minha lista de preferências, logo desde a primeira vez que o vi. A história, os actores, a banda sonora... Vários são os elementos que tornam este filme absolutamente fantástico, apesar da grande maioria não concordar.

7. SHUTTER ISLAND
(2010, Shutter Island, Martin Scorsese)

A combinação DiCaprio & Scorsese é simplesmente perfeita. Este filme está arrebatador, é dos melhores filmes de 2010. SHUTTER ISLAND é acima de tudo um filme inteligente, que nos permite puxar pela cabeça. Adoro!

8. ZOMBIES PARTY — UMA NOITE DE... MORTE
(2004, Shaun of the Dead, Edgar Wright)

Eu adoro filmes de zombies, e este especialmente, pois combina o meu género predilecto com humor britânico do melhor! Não é possível resistir, é de facto hilariante, e tem um fantástico elenco e banda sonora.

9. SETE PECADOS MORTAIS
(1995, Se7en, David Fincher)

Dos melhores filmes do género e dos anos 90, SE7EN está fantástico a todos os níveis, apesar do seu final super depressivo! Adoro.

10. A CHAVE
(2005, The Skeleton Key, Iain Softley)

É daqueles filmes que eu não consigo explicar porque é que adoro ou porque é que consta nas minhas preferências. O facto de ser um pouco obscuro, super subestimado, e conter elementos pouco convencionais são capazes de ser dos motivos pelo qual me levaram a gostar verdadeiramente deste filme, que para mim é incansável. Ou se calhar é mesmo só por causa do Peter Sarsgaard.

--//--

Obrigado, Sarah, pela tua participação!

A "Polémica" do Mês #5

2011-10-31T15:15:00.001-01:00

Como a blogosfera cinéfila nacional divergiu, este mês, sobre SANGUE DO MEU SANGUE, de João Canijo.

«Uma obra-prima, o melhor filme de João Canijo, um dos grandes filmes portugueses de sempre.»
Tiago Ramos, Split Screen.

«Não saí da sala de cinema rendido. Saí satisfeito, contente pelo investimento num bilhete de cinema (cada vez mais caro!) para um filme português, mas não saí fascinado e extasiado como a grande maioria dos críticos de cinema em Portugal.»
João Samuel Neves, Dial P For Popcorn.

«Nota-se tanto o esforço interpretativo que chega a irritar esse perfeccionismo num filme sobre o amor incondicional, cenas de humilhação e violência.»
Daniel Curval, Num Filme de Godard.

Agenda Cinematográfica

2011-10-31T14:55:00.000-01:00

:: 9500 CINECLUBE DE PONTA DELGADA ::

. SONHOS DE DANÇA (2010), de Anne Linsel e Rainer Hoffman

Durante cerca de um ano, adolescentes de onze liceus de Wuppertal empreenderam uma viagem emocional. Todos os sábados, 40 jovens, entre os 14 e os 18 anos, participaram no curso de dança dirigido por dois bailarinos da companhia de Bausch, com supervisão da própria coreógrafa. O filme de Anne Linsel e Rainer Hoffman acompanha esse processo de ensaios e repetições até à estreia.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

Críticas da Semana

2011-10-30T18:45:00.001-01:00

Breve resumo dos principais filmes visualizados esta semana:

. A CANÇÃO MAIS TRISTE DO MUNDO
. A TORINÓI LÓ
. ASSIM É O AMOR

--//--

. A CANÇÃO MAIS TRISTE DO MUNDO (2003), de Guy Maddin

Quando Chester Kent (Mark McKinney), um falhado empresário da Broadway, e Narcissa (Maria de Medeiros), a sua namorada amnésica, regressam à terra natal de Chester, vão deparar-se com uma espinhosa reunião familiar e um caótico concurso para encontrar a canção mais triste do mundo, organizado pela cervejaria local, dirigida pela amarga Lady Port-Huntley (Isabella Rossellini).

Para Maddin, cineasta com tanto de avant-garde como de "antiquário", a exagerada abundância é completamente intencional: os seus filmes garantem-lhe estatuto de culto pela granulada qualidade da imagem, pela monocromia dos enquadramentos, pelo lirismo das histórias e personagens. E no filme mais acessível da sua carreira, o espectador tem de se render a esta super-artificialidade, servida numa história de total absurdo mas completamente irresistível.

Durante toda a sua duração, vivemos um género de cinema que apenas encontramos na nossa memória e em alguns momentos — como o plano de um retrato de família enquadrado numa gota de água, cujo sentimentalismo inerente invejaria Chaplin ou Griffith — ponderamos a hipótese de Maddin ser um viajante no tempo, apetrechado com o know-how do período mudo e os recursos técnicos do século XXI. A CANÇÃO MAIS TRISTE DO MUNDO é uma curiosidade de primeira ordem e, talvez, a estreia ideal para quem deseja conhecer o cinema de Guy Maddin.

. A TORINÓI LÓ (2011), de Béla Tarr

Em 1889, Nietzsche protege um cavalo que é brutalmente espancado. Depois desse episódio, perderá a razão. O que aconteceu ao cavalo continua a ser um profundo mistério.

Recompensado com o Grande Prémio do Júri no último Festival de Berlim, o (segundo as próprias palavras do realizador) último filme de Béla Tarr é um profundo exercício de niilismo moderno, pautado por estados de espírito em detrimento da explanação de uma narrativa na verdadeira acepção do conceito — a repetição, o tédio, a frugalidade, o sofrimento, a filosofia anti-religiosa de Nietszche e duas das personagens mais planas e "invisíveis" que poderemos observar num grande ecrã dominam os trinta planos-sequência de um filme que atesta como o seu realizador, recorrendo outra vez ao seu discurso directo, «não me resta nada de novo para contar».

Contudo, é impossível desviar o olhar da sua permanente desconstrução da forma e tempo cinematográficos, imergindo-nos num fantasmagórico chiaroscuro e extraindo o ritmo a partir da nortada que assola, incessantemente, a casa onde a "acção" do filme decorre. A partir daqui, o grau de satisfação será proporcionalmente dependente do quanto se é fã de Tarr. A TORINÓI LÓ revela-se um poderoso desafio para quem "institucionalizou" que cada filme do cineasta deve ser encarado como obra-prima e, só por isso, merece positiva admiração.

. ASSIM É O AMOR (2011), de Mike Mills

Alguns meses depois do falecimento do seu pai Hal (Christopher Plummer), Oliver (Ewan McGregor) conhece a irreverente e imprevisível Anna (Mélanie Laurent). Este novo amor inunda Oliver de memórias do seu pai que, a seguir à morte da sua mulher e já com 75 anos, resolve assumir a sua homossexualidade.

De sabor inconfundivelmente indie (Mills, para além de ter assinado o aclamado THUMBSUCKER em 2005, é casado com Miranda July), a sua premissa simples é-nos apresentada com dinamismo, humor e, sobretudo, uma montagem inteligente que, alternando presente e passado, salda-se num equilibrado conjunto emocional. Para tal, muito contribui a segurança do elenco, onde se destacam Christopher Plummer (já se fala em prémios...), Ewan McGregor e a quase desconhecida Mary Page Keller, naquele registo scene-stealer que se lamenta não ter conhecido mais expansão.

O grande handicap de ASSIM É O AMOR está em ser um filme demasiado pessoal (o argumento é inspirado na relação de Mike Mills com o próprio pai) "encaixado" numa produção de óbvio apelo comercial, perdendo, assim, definição no seu registo (comédia romântica ou drama familiar?) e no público-alvo a que se dirige. De visualização agradável, com os seus momentos pungentes, o espectador ávido pelo cinema independente norte-americano encontrará aqui imensos focos de atracção, mas está longe de ser obrigatório.